jueves, 25 de julio de 2019

LA "DIETA MEDITERRANEA": LA MEJOR PARA CONTROLAR DIABETES, COLESTEROL Y ALTA PRESION


LA DIETA MEDITARRÁNEA: LA MEJOR PARA CONTROLAR DIABETES, COLESTEROL Y ALTA PRESIÓN



ÓSCAR ROBLES



          Reduce los riegos de contraer diabetes, colesterol alto, demencia, pérdida de la memoria, depresión y cáncer de pecho; también, fortalece los huesos, hace más saludable al corazón, prolonga la vida de las personas y permite perder peso.  Sobre todo, disminuye los efectos negativos de la hipertensión arterial o alta presión sanguínea. Es la “Dieta Mediterránea”, la número uno para la mayoría de los médicos en 2019.
          La Dieta Mediterránea implica un cambio de estilo de vida y de alimentación cuando el cuerpo comienza a mostrar claros síntomas de deterioro físico, ya sea por los malos hábitos de vida o por la edad. Especialmente, esta dieta es apropiada para los mexicanos, ya que la obesidad, la diabetes y la hipertensión arterial han sido graves problemas de salud en México desde hace algunas décadas. Entonces, es un imperativo cambiar radicalmente a esta saludable dieta alimenticia.
          La Dieta Mediterránea consiste en comer habitualmente frutas y vegetales variados, granos enteros, frijoles, lentejas, nueces variadas, cacahuates, aceite de oliva extra virgen y, por supuesto, pescado. No se recomienda comer alimentos preparados con azúcar y harina refinadas y es mejor eliminar la sal.
          Asimismo, este tipo de dieta admite el consumo de huevos, leche y pollo, pero en cantidades más pequeñas que la dieta tradicional de Occidente. Por ejemplo, se puede comer un huevo diario, de preferencia cocido; un cuartito de leche sin grasa al día; y un sándwich de pollo a la plancha. Ocasionalmente, se puede beber una copa de vino con los alimentos.
          La Dieta Mediterránea fue declarada la mejor del mundo en 2019 por ser la dieta más saludable. Otra dieta alternativa es la número dos llamada “Dash Diet”. Para mayor información, los gentiles lectores pueden consultar el siguiente sitio:



viernes, 19 de julio de 2019

"DIARIO DE VIAJE" DE MANUEL DEL PALACIO: CUADROS DE PAISAJES NATURALES Y URBANOS Y SURFISTAS Y TURISTAS

DIARIO DE VIAJE” DE MANUEL DEL PALACIO: CUADROS DE PAISAJES NATURALES Y URBANOS Y SURFISTAS Y TURISTAS



ÓSCAR ROBLES



"CHICA CON CHICLE" DE MANUEL DEL PALACIO: GRACIA Y ENCANTO




      Dos sensuales bañistas en sutiles bikinis nadan como sirenas envueltas en un delicioso mar azul turquesa; una chica joven infla un rosado chicle investida de elegante negro y casco azul; una naturaleza muerta con pez azul y verdes limones aparece sobre una mesa; la silueta negra de un surfista camina sobre un paisaje inusitado de suelo azul y nubes rosas; una catedral roja de elevadas torres se transfigura mágicamente bajo un intenso cielo azul con tintes verdes; la silueta lánguida de un puente es bañada profusamente por un azul rey que anuncia la venida de la noche. . . Son algunas de las interesantes pinturas de la muestra DIARIO DE VIAJE del artista chihuahuense Manuel del Palacio.

UNA MAGICA IGLESIA ROJA


UN PUENTE Y UN AZUL NOCTURNAL EN ESTE CUADRO DE DEL PALACIO


En dicha presentación, Palacio trazó con sus pinceles y pigmentos diferentes espacios urbanos y naturales y configuró la imagen de turistas, bañistas, surfistas en ambientes paradisiacos. Dicha muestra de cincuenta y dos pinturas fue construida como una forma de “diario visual de viaje”. Incluye escenas marinas y celestes, vegetación y personajes propios de las playas, bajo una estética eminentemente realista, perspectivas panorámicas y colores muy vivos que denotan la alegría de vivir y viajar. En general, es una visión optimista, feliz y colorida del viaje turístico. Dicha presentación artística fue exhibida en el Museo Casa Chihuahua Siglo XIX en el verano de 2016.

I “LOS PAISAJES DEL PLACER” EN LAS PINTURAS DE MANUEL DEL PALACIO

          A continuación se enlistan algunas de las piezas y se presentan varias fotos de las mismas. En particular, se incluye información sobre las dimensiones y las técnicas pictóricas de cada obra y un breve comentario.

1. BAÑISTAS [133 X 85 cm., acrílico sobre tela, sin fecha]. 



   Es una de las pinturas más destacadas de toda la muestra. Los colores intensos y la esbelta belleza femenina se conjugan para transmitir sensualidad y placer dentro de una gran escena panorámica del mar bello, transparente e inmensamente verde y amoroso.

2. “SURFISTA [68 X 44.5 cm., acrílico sobre tela, sin fecha]. 



   Un solitario surfista atraviesa un suelo azul bajo un cielo rosado y azul claro, desde una perspectiva de toma panorámica. El cuerpo es apenas una silueta negra con la tabla entre sus brazos. El tejido cromático es bello y la figura del surfista es un tanto desolada por sus tintes oscuros.

3. “GALAXIA NEGRA [130 X 76.5 cm., aerosol sobre tela, sin fecha].




   El torbellino gris del cosmos es el protagonista del cuadro. Los colores son grises y desvaídos. De este modo, la figura cósmica forma parte de la intuición artística más que de la contemplación directa del objeto trazado.

4. “NUBES [130 X 76.5 cm., aerosol sobre tela, sin fecha]. 


   Un cielo nublado y borroso aparece en el cuadro. Las nubes grises muestran ligeros tintes naranjas y verdes. La configuración del cuadro es borrosa y el artista capta una próxima tormenta de lluvia vista en la lejanía.

5. “CANAL CON JARDÍN [40 X 25 cm., acrílico sobre tela, sin fecha]. 



   Verdes claros y casas de muros blancos y techos rojos rodean un canal, visto desde una toma panorámica. El agua es atravesada por un puente y flotan en ella algunas canoas pequeñas. Sin duda, el agua es el personaje central por su pigmentación y su densidad cromática: Azul claro, azul marino, tersas aguas que agradan la vista de los espectadores.

6. “CHICA CON CHICLE [38 X 47 cm., acrílico sobre tela, sin fecha]. 



   La armonía cromática esplende en todo el cuadro con la figura exquisita y hermosa de una chica joven: Viste de traje negro y casco azul, cabellera pelirroja y fondo azul claro. La chica se yergue de pie y de perfil con su sencilla hazaña del día: Inflar un gran globo rosa con el chicle. En general, toda la escena es encantadora y graciosa. Esencialmente, la cintura grácil de la muchacha joven, las manos posadas en su cintura como palomas y el rostro delicado se tejen de una sutil y rosada piel, sensual y bella, que asoma entre los huecos del oscuro traje de motociclista o ciclista. Reluce como una de las mejoras obras de este muestra de Manuel del Palacio.

7. “OLA AZUL OSCURO ENCABRITADA [64 X 28.5 cm., acrílico y aerosol sobre tela, sin fecha]. 



   En la pintura, la ola azul oscuro se encrespa y se encresta con sus espumas blancas en la cumbre, justo en el primer plano; toda ella se congela en el lienzo con su belleza de potro encabritado y sus densas aguas trazadas con gruesas pinceladas. En cambio, la suavidad colorida del cielo refleja otro sesgo: Los azulinos, blancos, rosados y amarillos del peculiar cielo juegan otra vez al arte abstracto un poco, alejados de un contexto espacial mayor.

8. “AGUAS BLANCAS [45.5 X 40.5 cm., acrílico sobre tela, sin fecha].




   Mar de espumas blancas y agua azulina y cielo difuso de violetas, rosas y naranjas se diseminan en el lienzo para volverse una imagen casi abstracta. El enfoque figurativo es mero pretexto para la exploración estética sobre la naturaleza marina, puesto que los colores yuxtapuestos juegan a ser arte abstracto.

9. “ÁRBOLES VERDES[200 X  90 cm., acrílico y aerosol sobre tela, sin fecha]. 



   Los troncos verde oscuro de los árboles aparecen sobre el suelo mientras las aguas calmas y azules descansan a sus pies y un fondo nuboso completa la escena. Las figuras se apartan del fiel naturalismo para proyectarse como imágenes expresionistas construidas por la visión personal del artista.

10. “RUEDA DE LA FORTUNA EN LA NOCHE[133 X 101 cm., acrílico sobre tela, sin fecha]. 



   Este cuadro destaca por el ambiente nocturno y de luces artificiales. En la oscuridad azul marino, la rueda luminosa emerge como una flor lejana de esplendores blancos y naranjas sobre un fondo rosa. En tanto, el agua espejea el esplendor de la rueda de la fortuna. Con habilidad, del Palacio capta una escena nocturna. Sin embargo, las figuras de la escena se apartan de la reproducción realista para sugerir las imágenes y potenciarlas con colores fuertes.

11. “VENICE [130 X 77 cm., acrílico sobre tela, sin fecha]. 



   En primer plano, un edificio amarillo se yergue con sus diversas ventanas. En tanto, las letras de la palabra “VENICE” cuelgan al lado del edificio, Sus colores verde claro con círculos amarillos armonizan con la viveza de los muros amarillos. En cambio, el fondo es gris; justo al lado izquierdo del cuadro, se encuentra una columna blanca con una figura humana. Resaltan los colores vivos de muros y letrero y el dibujo es un tanto difuso. En conjunto, la entera pintura capta una realidad muy fragmentada. Es posible que se trate de un edificio de Venice, California.

12. “MAR AZUL Y ROJO [200 X 90 cm., acrílico sobre tela, sin fecha]. 




   En el primer plano del cuadro, las aguas azul oscuro del mar incendian de belleza el cuadro más que el cielo rojo fuego, tamizado por blancores tímidos y disoluciones cromáticas.

13. “SURFISTA CON CIELO ROSA [sin dimensiones, acrílico sobre tela, sin fecha]. 



   La escena es espectacular, con buen trazo artístico, sugerente dibujo y espléndidos colores vivos. En sí, la magnificencia del acto acrobático de un surfista es captada en primer plano por la fina percepción estética del pintor. El surfista se suspende en la cumbre con su silueta oscura y su tabla y parece brotar de un vórtice de aguas azul rey y azul claro con el fondo del extraño cielo rosado. Parece un superhéroe volador. En esta obra, el artista del Palacio exalta al surfista con imágenes que oscilan entre el realismo y la magia. Es de los mejores cuadros de la muestra DIARIO DE VIAJE.

Además, se exhibieron TREINTA Y CINCO PIEZAS DE DISTINTAS CIUDADES DEL MUNDO PINTADAS IN SITU, las cuales eran obras de Manuel del Palacio también. En general, todas ellas eran obras de buena factura artística y reproducían figuras de personas, espacios físicos y objetos captados en los viajes por diferentes ciudades del mundo. En general, aparecían en estos cuadros diferentes paisajes naturales, surfistas y turistas.
Entre estas obras, sobresalían las siguientes pinturas y dibujos: Una naturaleza muerta con pez azul sobre una mesa, limones verdes y otros objetos: 



La serie de olas salvajes y plenas de azul que lucían como arte figurativo y arte abstracto al mismo tiempo: 

UNA GRAN OLA TORBELLINO EN ESTE CUADRO DE DEL PALACIO

OLAS AZULES Y BLANCAS: PAISAJE MARINO


La serie espectacular de los surfistas silueteados sorteando los peligros de las olas salvajes: 

OTRO SOLITARIO SURFISTA EN EL ARTE DE DEL PALACIO

UN SURFISTA EN PLENA ACCION EN ESTA PINTURA DE DEL PALACIO


Una rara iglesia roja con sus torres góticas: 




Un puente delgadísimo inundado de un esplendido azul nocturnal:



Y, finalmente, una graciosa ranita azul que mira de frente aferrada a una rama de un árbol:




II BIOGRAFÍA BREVE DE MANUEL DEL PALACIO

          Víctor Manuel del Palacio Castellanos (1983—) es pintor, surfista y viajero. Aunque nativo de Chihuahua, vive y trabaja en Puerto Escondido y la Ciudad de México. Ha expuesto sus obras en los siguientes recintos artísticos y ciudades: 1) New Americans Museum; 2) La Marítima Museum [Los Ángeles, California]; 3) Museo Franz Mayer [Ciudad de México]; 4) Art Basel 42; 5) San Diego, California; 6) Vancouver [Canadá]; 7) Tokio y Osaka [Japón]; 8) Taipei [Taiwán].
          En la mayor parte de sus obras, del Palacio evoca espacios físicos, personas y objetos en sus cuadros y construye un “diario visual de viajes”. En especial, el pintor chihuahuense plasma “atmosferas playeras, entre piñas coladas y aromas de coco”, según el cartel de presentación de DIARIO DE VIAJE. Para el artista, pintar es “como estar en la ola, estar en la cresta, estar en el presente”, todas sus obras representan un acto de libertad y “sus dibujos son fotografías instantáneas” del viaje de placer de un turista y amante de la playa, según testimonia dicho póster.


CARTEL DE PRESENTACION DE LA MUESTRA "DIARIO DE VIAJE" DE MANUEL DEL PALACIO


En conclusión, la interesante muestra DIARIO DE VIAJE de Manuel del Palacio fue un diario visual de los viajes de un artista abierto a los paisajes y a la gente de los lugares que visitó. En este “diario”, el artista se proyectó como una especie de reportero de los paisajes naturales y urbanos. En total, Manuel del Palacio expuso cincuenta y dos obras en el Museo Casa Chihuahua Siglo XIX entre el 17 de junio y julio de 2016.



viernes, 12 de julio de 2019

"ATLANTIS CHILD" DEL COLECTIVO DIVISION DEL NORTE: MITO, FANTASIA Y GEOMETRISMO

ATLANTIS CHILD” DEL COLECTIVO DIVISIÓN DEL NORTE: MITO, FANTASÍA Y GEOMETRISMO



ÓSCAR ROBLES




UN GUERRERO DE ATLANTIS INVENTADO POR EL COLECTIVO DIVISION DEL NORTE



    “Atlantis” es un continente mítico ubicado en el Océano Atlántico (“Atlantis.” The New Lexicon). En otra fuente, Atlantis es visto como la Isla de Atlas o isla ficcional que funciona como una alegoría en que se enfrentan las fuerzas navales de los griegos históricos de la antigua Atenas contra los habitantes ficcionales de Atlantis, la cual culmina con la derrota y hundimiento de los segundos en las aguas del Océano Atlántico, según los diálogos Timeo y Critón del filósofo griego Platón “Atlantis.” Wikipedia).
Platón inventa, pues, el mito de Atlantis entre el siglo IV y V a. C. La influencia de este mito sobre una civilización avanzada con poderío militar se prolonga en el pensamiento y la creación literaria. De este modo, se publican sucesivamente las siguientes obras inspiradas en la alegoría de Atlantis: Utopía (1516), New Atlantis (1626) de Francis Bacon y Atlantis: The Antediluvian World (1882) del norteamericano Ignatius L. Donnelly.
De la misma, forma, un grupo de pintores chihuahuenses exploró visualmente el mito de Atlantis en el siglo XXI con la creación de cuatro obras pictóricas de preciso dibujo, ricos colores y gran invención imaginativa. La mejor pintura retrataba un rostro bello y fantástico de un militar o soldado de Atlantis. La imagen aparecía en un primerísimo plano como un retrato de busto. Estaba cubierto por un dorado casco; su piel era de colores rosa y violeta. Lucía como un rostro de antiguo guerrero homérico sobre un fondo profusamente rojo. Sus grandes cualidades estéticas nacían del perfecto dibujo, el volumen balanceado, los colores tan vivos, la gran fantasía creadora y, en especial, la exploración cultural de temas clásicos de la Antigüedad. Así pues, la gran simetría de formas humanas y objetuales y la gran riqueza de imaginación artística construían la imagen de un guerrero como de filme norteamericano  de aventura, acción y superhéroes y de gran belleza artística.


FINO DIBUJO, PERFECTO VOLUMEN Y RICO COLORIDO PROPIO PARA UNA VISION FANTASTICA


      En tanto, otros tres cuadros sin título se apartaban de las figuras humanas y se orientaban hacia la configuración de escudos o símbolos de perfección geométrica y bello colorido. Estas tres obras fueron integradas con círculos y polígonos, figuras como de ruletas o escudos mágicos. Estos círculos significaron una reinvención de los artistas de dicho grupo: Misterio de signos y símbolos complejos, formas e imágenes, imaginería cifrada e inventada, lenguaje cultural de extraña y antigua civilización mítica y fantástica fabricada originalmente por el genio creativo de Platón.



GRAN GEOMETRISMO Y COLOR SE CIFRAN EN ESTE SIMBOLO DE LA CIVILIZACION DE ATLANIS


      En general, las cuatro pinturas fueron hechas bajo la técnica del acrílico y con pinturas de aerosol y pigmentos. Esencialmente, los cuatro cuadros lucían como fantasía pura, exploración artística del mito antiguo de la Atlántida. Fundamentalmente, destacaba la pintura del guerrero antiguo o rey de oro y piel extraña. En tanto, las tres ruletas o escudos complementaron el resultado de dicha exploración pictórica del mito de Atlantis. En particular, las figuras geométricas cifraban su fuerza artística en la perfección de las líneas y volúmenes simétricos y en los colores tan vivos. En conjunto, las cuatro obras relucieron una belleza y una luz de arte puro fundado en el flujo de la fantasía creadora. Entre todas las pinturas, el guerrero o intrigante personaje épico y militar resaltaba como la figura central de la muestra “Atlantis Child”.


OTRO SIMBOLO GEOMETRICO DE LA CIVILIZACION DE ATLANTIS


En conclusión, los artistas del Colectivo División del Norte expusieron las citadas cuatro pinturas con el tema de Atlantis como visión fantástica y mito. En todos los cuadros mostraban colores intensos y ricos y un simétrico dibujo que atrajo la mirada del espectador. Ellos mostraron que los pigmentos y las modernas pinturas de aerosol pueden crear arte moderno y novedoso en el siglo XXI. El lugar: Museo Casa Chihuahua Siglo XIX de la ciudad de Chihuahua. Fechas: Del 21 de abril al 30 de junio de 2016.



Obras citadas
“Atlantis.”  The New Lexicon Webster’s Dictionary of the English Language. 1989.
“Atlantis.” Wikipedia. The Free Encyclopedia. 12 July 2019. Wikimedia
Foundation, Inc. 12 July 2019. <https://en.wikipedia.org/wiki/Atlantis>.

lunes, 8 de julio de 2019

"ARTY" DE ARTURO VEGA: DINERO, PODER, IDENTIDAD COLECTIVA Y GEOMETRISMO

ARTY” DE ARTURO VEGA: DINERO, PODER, IDENTIDAD COLECTIVA Y GEOMETRISMO  



ÓSCAR ROBLES




"CINCO BANDERAS" DE ARTURO VEGA


          En la muestra “ARTY”, las obras del mexicano Arturo Vega reflejan un diestro arte figurativo y una armónica configuración geométrica, bajo la influencia del Arte Pop. Fundamentalmente, dichos cuadros exponen asuntos de identidad nacional y mercado capitalista (dinero, poder, producción en serie). Por ello, algunas pinturas muestran yuxtaposiciones de banderas nacionales, manos gigantes, monedas del dólar norteamericano y coloridas figuras geométricas. En general, los colores son intensos y vívidos y lucen como anuncios publicitarios. De este modo, esplenden los rojos, verdes, amarillos, azules y negros.


CARTEL DE PRESENTACION DE LA MUESTRA "ARTY" EN EL CENTRO DE DESARROLLO CULTURAL DE CHIHUAHUA


I EXAMEN GENERAL DE LAS OBRAS DE LA MUESTRA “ARTY

En especial, los cuadros más geométricos de Vega exhiben figuras en series y variantes de cuatro colores diferentes, como una búsqueda de armonías cromáticas más cercanas al diseño publicitario y a la producción en serie del mercado capitalista. Todas estas obras están construidas bajo la estética del arte del siglo XX. En su etapa final de vida, Vega configuró una interesante “intervención” artística en un jarrón oaxaqueño, el cual fue teñido con coloridos motivos florales y animales, como un sesgo mexicanista y artesanal del artista inmigrante, cosmopolita y de intensa vida neoyorquina, bajo el impacto del rock and roll norteamericano y la égida del exitoso grupo The Ramones.


"ESTRELLAS" DE ARTURO VEGA: GEOMETRISMO Y PRODUCCION EN SERIE

Esencialmente, la serie de pinturas de Vega con la mano gigante y el dólar de plata se funda a base de yuxtaposiciones de banderas nacionales, humanos y dinero. De esta manera, se generan diversos mensajes culturales y sociales. Entre ellas, se cuentan “CINCO BANDERAS”, “IRÁN / MÉXICO” y “MANO CON DINERO”. En particular, la belleza de los cuadros se observa en la cuidadosa concatenación y construcción de los colores, volúmenes y formas simétricas. Uno de estos posibles mensajes es la pobreza como forma esencial del dinero básico. Por otro lado, la aglutinación de las banderas surge como una visión cosmopolita del artista: Dos continentes [América y Asia] y tres países [México, los Estados Unidos e Irán]. Con estos elementos nacionalistas yuxtapuestos se presenta un posible problema de identidad nacional o un asunto de multiculturalismo, el cual fue más desarrollado durante el capitalismo global de fines del siglo XX y principios del siglo XXI.


"IRAN / MEXICO" DE ARTURO VEGA: IDENTIDA NACIONAL Y DINERO


          En suma, el arte de Vega plantea asuntos de mercados, identidades colectivas y nacionalismos de manera simbólica, sin situaciones descriptivas o narrativas con la presencia de personajes o espacios geográficos concretos. En una visión positiva, surgen algunas preguntas sobre estos cuadros de dinero y banderas: ¿El propio artista Vega ofrece simbólica y artísticamente una moneda a los pobres que observó como testigo en Nueva York y otras ciudades norteamericanas? ¿Es la mano gigante la representación alegórica de los Estados Unidos y/o el Capitalismo moderno? Las respuestas precisas a estas preguntas son importantes. Sin embargo, las interpretaciones abiertas son más ricas para sus pinturas. En consecuencia, el dinero luce como una gran preocupación del artista creador en medio de un país rico y capitalista y una ciudad cosmopolita que la capital financiera del mundo: Nueva York.


"MANO CON DINERO" DE ARTURO VEGA: DINERO Y PODER


          De cualquier forma, la muestra “ARTY” de Arturo Vega revela un arte inquietante como mensaje cultural y social aglutinante y abierto. En tanto, la armonía estética de los cuadros destaca en la cuidadosa concatenación de las imágenes humanas y objetuales. Por todo ello, las pinturas son cuadros símbolos de la experiencia humana y cultural de un mexicano asimilado a la cultura estadounidense y que vive dentro de la sociedad norteamericana del siglo XX. Son, además, cuadros que despiertan verdaderamente la reflexión de un artista mexicano que vivió en Nueva York, la gran metrópoli del arte, la cultura y la economía de los Estados Unidos y el mundo, la capital del dinero. De ahí, la presencia de las monedas estadounidenses en las obras pictóricas de esta interesante muestra en un museo de la ciudad de Chihuahua, la cual fue su ciudad natal.


CARTEL BIOGRAFICO DE ARTURO VEGA


          Arturo Vega fue un amante del rock estadounidense. En particular, colaboró con el famoso grupo norteamericano “The Ramones”. Curiosamente, el famoso escritor estadounidense Stephen King (1948—), el Rey del Terror en la narrativa, admiraba profundamente a tal celebre banda de rock. Esta experiencia de Vega con The Ramones va unida a su personalidad de artista cosmopolita. En consecuencia, el artista mexicano se desprende del impacto del Nacionalismo Revolucionario de México, para vivir una rebeldía, un cosmopolitismo y una asimilación cultural en los Estados Unidos, según se desprende su muestra “ARTY”. De igual forma, los artistas mexicanos de la Generación de la Ruptura se rebelaron contra la Escuela Mexicana de Pintura y el dominante Muralismo Mexicano, durante la década de los sesenta, especialmente. En este trascendental grupo, participaban José Luis Cuevas, Águeda Lozano, Manuel Felguérez y otros pintores y escultores. Ellos buscaban una visión más cosmopolita del arte y exploraron el arte abstracto.


EL ARTISTA CHIHUAHUENSE ARTURO VEGA CON LA CAMISETA DE "THE RAMONES"


          Esencialmente, los cuadros de la serie geométrica con estrellas y cruces de colores negro, rojo, azul y amarillo son una arte más cercano al Arte Pop y reflejan la producción en serie del capitalismo moderno. Estas pinturas son “variaciones sobre un mismo tema”. En ellas, el geometrismo se nutre de grandes colores, como un sesgo a la sicodelia o al Arte Pop propio de la década de los sesenta. De esta forma, su concatenación de figuras geométricas en líneas horizontales y sus cambios de posición de colores son meramente formales y estéticos. En todo caso, Vega busca crear una armonía geométrica y un equilibrio de diseño más cercano al anuncio publicitario.


GEOMETRISMO Y PRODUCCION EN SERIE EN ESTE CUADRO DE VEGA


           En estos cuadros de figuras en serie y colores variados, el cuadro “BIG FAT APE” contiene colores intensos y armonías geométricas y un mensaje perturbador y negativo: Se refiere a un mono antropoide gordo y grande, pero no hay referentes concretos dentro del mismo cuadro. En particular, las letras de cada palabra del título aparecen colocadas en forma vertical. Sin embargo, estas tres palabras no potencian un mensaje con las figuras geométricas y el cuadro todo parece un mero divertimento o tal vez se refiere a un anuncio publicitario, ya que se mezcla la armonía geométrica y cromática con la negatividad de la frase en idioma inglés. Entonces, no se ve en el cuadro un gorila gordo y grande. Finalmente, esta pintura parece más un cartel de protesta política o social contra un referente histórico externo: Un posible político o militar, por ejemplo. Por otro lado, este cuadro representa un intento de romper la horizontalidad del lenguaje moderno occidental manifiesto en sus diferentes idiomas. Asimismo, dentro de las armonías de colores, formas y volúmenes del cuadro emerge un mensaje negativo: El “mono grande y gordo” se asocia más a la barbarie que a la civilización. Por ello, también parece como un insulto o una descripción de una persona desconocida o una entidad bestial y opresiva. Curiosamente, el cuadro fue creado dentro de una de las civilizaciones más avanzadas de la época contemporánea: Los Estados Unidos.



"BIG FATE APE" ARTURO VEGA: PROTESTA CONTRA EL PODER Y/ EL PODEROSO


          En materia de calidad estética, la mejor pieza de la muestra “ARTY” es la “intervención” de una artesanía oaxaqueña original. Se llama “ÁNIMO”. Desde el título, la palabra “intervención” es un elemento creativo y artístico propio del siglo XXI. La “intervención” define el papel del artista en el trabajo sobre una obra de arte o artesanía, previamente fabricada o construida: Es una alteración, un acto creativo de modificar una obra de otro artista o artesano. Vega pintó esta obra en colaboración directa con la artista chilena Rocío Infestas, durante su regreso a la ciudad de Chihuahua en el siglo XXI. De este modo, el tradicional jarrón oaxaqueño y la excesiva decoración del objeto revelan gran creatividad y liberación. Se ven bellas flores naranjas, vegetales verdes, jaguares y cabezas de felinos amarillos. Así, la re-creación de esta obra muestra un interesante reencuentro de Vega el cosmopolita, inmigrante y viajero con el arte en sí como hecho estético, con el arte figurativo, con la salvaje naturaleza, con la artesanía, con la cultura mexicana y con la cultura indígena del sur de México. Aliado con la talentosa Infestas, Vega se desborda, se vacía y llena de colores e imágenes animales y vegetales el cuerpo del jarrón, como sintiéndose llamado o imantado por lo telúrico del barro de la jarra oaxaqueña. Así pues, esta experiencia es como un ejercicio artístico de madurez, siendo ya residente en México, tras décadas de ser un artista cosmopolita ligado al rock y a la cultura norteamericanos, al geometrismo lineal, al capitalismo, a Nueva York y al mercado. Finalmente, la obra “ÁNIMO” es un acto de liberación artística para Arturo Vega y un acto para recuperar la creatividad y la salud.


"ANIMO" DE ARTURO VEGA: EL REENCUENTRO DEL ARTISTA COSMPOLITA CON SUS RAICES CULTURALES



II DESCRIPCIÓN SUMARIA DE LAS OBRAS DE LA EXHIBICIÓN “ARTY” DE ARTURO VEGA

La exhibición de arte consta de las siguientes obras, ordenadas de derecha a izquierda en el Centro de Desarrollo Cultural [CDC]:

1.”TENIS INTERVENIDOS POR JAMES RUBIO UITLIZADOS POR ARTURO A LO LARGO DE SU VIDA. Son piezas de diferentes colores: verdes, rojos, cafés y grises. El calzado luce como un novedoso arte objeto, una mezcla de mercancía, vida personal y arte.


ZAPATOS TENIS DE ARTURO VEGA DECORADOS POR JAMES RUBIO


2. “CINCO BANDERAS [51 X cm., cinco piezas, acrílico y serigrafía sobre tela, sin fecha]. En la obra, aparecen varias manos gigantes, tres dólares en monedas, algunas banderas yuxtapuestas y dominan los colores rojo, amarillo, verde y azul.


"CINCO BANDERAS" DE ARTURO VEGA



3. “ÁNIMO [colaboración con la artista chilena Rocío Infestas dentro de un proyecto de intervenciones en objeto, artesanía oaxaqueña intervenida, sin fecha]. Es de las mejores obras de la muestra. La pieza con relieves de jaguares moteados en negro, luminosas flores naranjas, plantas verdes y bellos felinos amarillos de lengua rosa.


"ANIMO" DE ARTURO VEGA: ARTE, ARTESANIA E "INTERVENCION"


4. “IRÁN / MÉXICO [152.5 X 202.5 cm., acrílico y serigrafía sobre tela, sin fecha]. En el primerísimo plano, una mano gigante de color gris porta un dólar de plata y se observa una yuxtaposición de una bandera tricolor mexicana con escudo en medio arriba y una bandera de Irán de colores blanco y rojo, con lunas rojas y signos geométricos. El cuadro implica una representación del dinero y la identidad colectiva o nacional. 



"IRAN / MEXICO" DE ARTURO VEGA: IDENTIDAD COLECTIVA Y DINERO


5. “MANO CON MONEDA [152.5 X 202. 5 cm., acrílico y serigrafía sobre tela, sin fecha]. Una mano gigante pintada en colores blanco y gris surge en el primerísimo plano de la obra. Se ven los dedos siluetados con color negro, un dólar de plata, el fondo blanco. La piel muestra grietas marcadas. Es el mejor cuadro por los colores básicos, la claridad y dibujos de las imágenes y el mensaje: Dinero, donación o ayuda, belleza simbólica del capitalismo moderno.


"MANO CON DINERO" DE ARTURO VEGA: DINERO Y PODER EN LOS ESTADOS UNIDOS


6. SIN NOMBRE [acrílico sobre tela, sin fecha]. En el centro del cuadro, una mano gigante está pintada en colores verde, rojo, negro. En tanto, un dólar de plata luce en colores de bandera y aparece un escudo en color verde limón con un sol, una virgen y un libro grises. Otra vez reluce el tema del dinero como preocupación artística.



DINERO, IDENTIDAD COLECTIVA Y RELIGION EN ESTE CUADRO DE VEGA


7. “ESTRELLAS [43 x 43 cm., 20 piezas, acrílico sobre tela, sin fecha]. El cuadro se compone de veinte cruces de colores azul fuerte, amarillo sol, rojo y negro.  Se ven en diferentes posiciones en cuatro espacios en serie. Son cruces o estrellas geométricas sobre un fondo color crema. Puede verse como una reproducción en serie y como la decoración formal de un anuncio publicitario, bajo el impacto de la estética del Arte Pop.


"ESTRELLAS" DE ARTURO VEGA: GEOMETRISMO Y PRODUCCION EN SERIE


8. “BOTAS UTILIZADAS POR ARTURO A  LO LARGO DE SU VIDA. Son botas de pelo gris y blanco. Vida personal y artesanía se entrecruzan en este calzado, lo cual revela las costumbres del artista de Chihuahua en su vida metropolita y cosmopolita.

9. “BIG FAT APE [152 X 50.5 cm., 3 piezas, acrílico y serigrafía sobre tela, sin fecha]. En la pintura, tres rectángulos largos en forma vertical componen todas las figuras del cuadro. Las tres palabras en inglés del título de la obra se encuentran encerradas en círculos blancos con colores negro y blanco. El fondo es rojo, amarillo, azul, negro, rodeando círculos blancos. Destaca como un cartel de protesta política contra el poder o contra una persona poderosa sin nombre.


"BIG FAT APE" DE ARTURO VEGA: LA PROTESTA CONTRA EL PODER


10. VIDEO SOBRE LA VIDA Y LA OBRA DE ARTURO VEGA.

          En resumen, la muestra “ARTY” de Arturo Vega exhibió el encuentro de un artista chihuahuense con la cultura norteamericana y con la cultura capitalista durante el siglo XX. El resultado fue producir arte y diseño publicitario de trascendencia internacional. Por ello, su vida personal y profesional estuvo ligada profundamente al grupo de rock “The Ramones” alrededor de veinte años de giras artísticas. En el video y las fotos de la muestra, se aprecia la vida de este artista desde su juventud hasta su vejez y la creación de un arte en serie y en serio, marcado por la cultura cosmopolita estadounidense (dinero, escudo, bandera). En especial, su célebre escudo representativo de la banda de rock “The Ramones” y le dio la vuelta al mundo entero y le reporto a Vega la venta de miles de camisetas. En particular, el escudo se compone de un águila en el centro del mismo. En tanto, sus peculiares botas grises de pelo de animal y sus zapatos tenis repintados por James Rubio muestran un poco de la intimidad personal y las aficiones al calzado del pintor. Finalmente, el jarrón “intervenido” por él mismo y por la pintora Infestas representa un encuentro con la cultura mexicana, la naturaleza y la creatividad artística.


ARTURO VEGA EN SU JUVENTUD


III BIOGRAFÍA BREVE DE ARTURO VEGA


ARTURO VEGA, EL ARTISTA COSMOPOLITA


          Arturo Vega (1947-2013) nació en la ciudad de Chihuahua. Participó en la Escena Teatral en la Ciudad de México, trabajó como artista plástico en el sur de Manhattan, diseñó el logotipo de la banda The Ramones, viajó en giras artísticas y se desempeñó como director de iluminación con este grupo de rock durante veinte años y vendió miles de camisetas con el logotipo de dicha banda musical, según el cartel de presentación de la muestra “ARTY”.


TATUAJE CON EL LOGOTIPO DEL AGUILA DE LA BANDA DE ROCK "THE RAMONES"


ARTURO VEGA Y SU ALIANZA CON LA BANDA DE ROCK "THE RAMONES"


          Mientras laboró con The Ramones, creó su propia obra artística como pintor en Nueva York durante la década de los setenta. En este periodo de tiempo, convergen en dicha metrópoli norteamericana el Arte Pop, el Expresionismo Abstracto y el Minimalismo. Sus obras se basan en la técnica de la serigrafía propia del Arte Pop y sus temas centrales se orientan hacia la protesta contra el sistema económico y el dinero y el poder, usando el geometrismo y los colores básicos, de acuerdo a dicho póster de la presentación artística en el Centro de Desarrollo Cultural [CDC] de la ciudad de Chihuahua.


OTRA FACETA DE ARTURO VEGA


          Arturo Vega es un visionario, un pionero, un artista cosmopolita, un promotor incansable del arte y la cultura, un icono del mundo y una inspiración para los jóvenes chihuahuenses y mexicanos, resume el mencionado cartel de la muestra “ARTY”. En el pasado, expuso su muestra Love Life Lust en el Museo Casa Redonda y en la Galería La Estación de la ciudad de Chihuahua. Ante todo, esta exposición y su regreso a la capital del Estado Grande expresan su profundo amor a Chihuahua y su gente.


ARTURO VEGA, ARTISTA "PIONERO" E "ICONO DEL MUNDO"


          Al final de cuentas, Arturo Vega es un artista que triunfó y trascendió en los Estados Unidos. El Instituto de Cultura del Municipio de Chihuahua le rindió un homenaje póstumo con la brillante exhibición “ARTY” en el Centro de Desarrollo Cultural [CDC].


EL TRABAJO DEL ARTISTA VEGA


En especial, la palabra “Arty” es un juego que puede tener diferentes interpretaciones. Por un lado, puede referirse a un posible apodo en inglés de Arturo que equivale en español a “Arturito” como una forma cariñosa de llamarlo. Por otro, juega con humor con la idea de  un “arte pequeño” o “artecito” y con la pronunciación anglosajona de la palabra en español “arte” (“arty”).


ARTURO VEGA EN MEDIO CON DOS MIEMBROS DEL GRUPO "THE RAMONES"


 En suma, “ARTY” es una muestra de nueve objetos de arte, quince fotografías y un documental en video sobre la vida y la obra de Arturo Vega. Fue exhibida en el Centro de Desarrollo Cultural de la ciudad de Chihuahua, entre el 17 de junio y el mes de julio de 2016. Esta exposición fue organizada gracias a las siguientes personas e instituciones: 1) Fundación Arturo Vega; 2) Ted Reiderer, Director de la galería de dicha fundación; 3) el grupo Howl Happening; 4) Eduardo Quiñones; 5) James Rubio y otras personas que aportaron diferentes materiales sobre la vida personal y profesional de Arturo Vega.


ARTURO VEGA EN SU EDAD MADURA


ARTURO VEGA EN LOS ESTADOS UNIDOS



ARTURO VEGA EN PLENA LABOR


EL ARTISTA CHIHUAHUENSE EN SU ETAPA DE MADUREZ



EL ARTISTA EN UNA EXHIBICION DE ARTE


OTRA FACETA DE VEGA


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