GRANDES MOVIMIENTOS ARTISTICOS, PINTORES, CUADROS Y MURALES EN LA HISTORIA DE OCCIDENTE [SIGLOS XIII-XX D.C.

GRANDES MOVIMIENTOS ARTÍSTICOS, PINTORES, CUADROS Y MURALES EN LA HISTORIA DE OCCIDENTE [SIGLOS XIII-XX D.C.]

ÓSCAR ROBLES

"EL MATRIMONIO ARNOLFINI" DE JEAN VAN EYCK, OBRA MAESTRA DEL ARTE MEDIEVAL

En la sociedad occidental, el arte moderno y el arte contemporáneo están marcados fuertemente por la noción de arte de autor y por la personalísima transformación estética del referente real que los artistas reproducen en sus cuadros y esculturas. A veces, estas imágenes llegan a ser una representación puramente abstracta en algunas tendencias. Primeramente, el arte moderno comenzó alrededor de 1860. El francés Édouard Manet es uno de los primeros artistas modernos con su obra El almuerzo desnudo (1863), en la cual se disminuye la apariencia de lo real y no se diseñan las tres dimensiones clásicas (Shinn). En cambio, el arte contemporáneo surge entre 1960 y 1970. Este nuevo arte enfatiza más el poder del autor para cambiar los referentes reales con sus representaciones estéticas o para inventar realidades más abstractas y más fundadas en la honda intuición formal y colorista del artista para crearlas. Ante todo, el arte contemporáneo se basa en desplazar el contenido de la obra para concentrarse más en el proceso de crearla, según Leoni Shinn (“What’s”).

En realidad, el arte de autor comienza desde el arte medieval y se produce entre el siglo XIII d.C. y el siglo XXI d. C. Especialmente, se prolonga en el arte del Renacimiento, el Barroco, el Neoclasicismo, el Romanticismo, el Realismo, el Impresionismo, el Post-impresionismo, los movimientos del vanguardismo y otras tendencias del arte contemporáneo.

En el arte moderno, se incluyen las corrientes artísticas del Impresionismo, el Post-impresionismo, el Puntillismo, el Japonesismo, el Fauvismo, el Cubismo, el Futurismo y el Expresionismo. En el arte contemporáneo, se agrupan el Arte Pop, el Expresionismo Abstracto, el Minimalismo, el Arte Conceptual y el Performance Art.

Como puede verse, el arte occidental es rico en artistas, obras y movimientos; es opulento en la construcción variada de la belleza del mundo. A continuación se expone una lista de artistas plásticos que han sido considerados entre los mejores de la historia del arte occidental. Este recuento básico está organizado por movimientos artísticos, se basa en buena parte en la cuidadosa selección de mil artistas incluida en el volumen I dedicado a la pintura de Los doce mil grandes. Enciclopedia Biográfica Universal (México: PROMEXA, 1982). La revisión culmina con el surgimiento del Arte Pop, cuya estela de trabajo y novedad se proyecta hasta la década de los ochenta principalmente. Además, se incluyen en esta lista la nacionalidad de los pintores y escultores, los años de vida y algunas obras claves en la carrera artística de cada uno estos prominentes creadores.

Esencialmente, el presente esquema de artistas occidentales es más de carácter didáctico que erudito. Por ello, este recuento de artistas se propone como una especie de breviario básico o breve repaso del arte de autor en la cultura de Occidente. En general, se exponen conceptos muy básicos de cada movimiento o tendencia artística y se detallan los principales representantes del arte medieval [Gótico], renacentista, manierista, barroco, neoclásico, rococó, romántico, realista, simbolista, impresionista, post-impresionista, vanguardista con todas sus vertientes, arte pop y muralismo mexicano.

I GÓTICO

CONCEPTO

El arte medieval se define a partir del arte románico, el arte bizantino y el arte gótico, principalmente. Los tres se manifiestan sobre todo en la arquitectura. Además, hacia el siglo XIV aparecen en Italia los primeros brotes del arte renacentista con una pléyade de creadores individuales con signo de autor. En particular, el gótico es una forma de arte que floreció entre los siglos XII y XV con un estilo nacional en diferentes países europeos. La pintura surge más tarde, hacia el año 1200 d.C., es decir, treinta años después de la aparición de la arquitectura y la escultura góticas. Ante todo, la pintura gótica se basa en la reproducción naturalista de la realidad o imitación de la naturaleza y configura numerosos paisajes y escenas religiosas, influida fuertemente por el dominio de la fe cristiana de la Edad Media. Por este impulso naturalista, las obras góticas se parecen más al Renacimiento que al arte reduccionista románico de su tiempo. Sin embargo, los pintores góticos no adoptan el ideal griego y romano de belleza como los renacentistas, sino que concentran la belleza de las imágenes plásticas en las ideas religiosas y en dar una apariencia o “sabor místico y cristiano” a sus escenas pictóricas (“Pintura gótica”).  

Por su parte, los edificios góticos se caracterizan por su arco ojival, techos de piedra en forma de bóveda, columnas arracimadas, tallas ricas en la piedra, paredes con largas ventanas y la configuración estilizada de los arcos, los pilares y contrafuertes volantes (“Gothic”). En especial, las catedrales y templos góticos siguen un impulso vertical y aspiran a elevarse a los cielos con sus elevadas y esbeltas torres como un gran símbolo de la espiritualidad medieval, en consonancia con los ideales religiosos plasmados por los pintores. En tanto, las vidrieras se tiñen de colores. En el siglo XIII, los santuarios se adornan con esculturas, estatuas, capiteles, gárgolas, archivoltas, agujas, sillerías de madera, veletas de bronce, tapicerías, ornamentos de iglesia, miniaturas, pinturas, orfebrería, cerámica y en los siglos XIII y XIV los flamígeros y floridos rosetones semejantes a las llamas (“Arte Gótico”).

ARTISTAS

1.Guido di Pietro o Fra Giovanni da Fiésole, mejor conocido como Fra Angélico, italiano (1387-1455): “La Anunciación” y “La huida a Egipto”.

2. Ducio de Buoninsegna, italiano (1260-1318): “La aparición en el Lago Tiberíades”.

3. Giotto di Bondone, italiano (1267-1337): “Historia de la vida de María y Cristo. Llanto por el Cristo muerto”, “La Fe” y “Vida de San Francisco de Asís”.

4. Tommaso di ser Giovanni di Mone, alias Masaccio, italiano (1401-1428): “La expulsión de Adán y Eva del Paraíso”.

5. Paolo Di Dono Uccello, italiano (1397-1475): “La disputa de San Esteban” y “La batalla de San Romano, 1432” (1456-1460).

6. Jan Van Eyck, holandés (1390-1441): “El matrimonio Arnolfini”, “Retrato de la mujer del pintor” y “El cordero místico”.

7. Roger Van der Weyden, holandés (1400-1464): “Crucifixión”, “El descendimiento de la Cruz” (c.1435) y “Retrato de una dama”.

II RENACIMIENTO

CONCEPTO

          El arte renacentista se origina en Italia en el siglo XIV y su gran apogeo se concentra en Europa durante el siglo XVI. En general, el Renacimiento es un periodo histórico entre la Edad Media y los tiempos modernos. Se basa en el humanismo, el regreso a los valores clásicos de la Antigüedad grecolatina y el comienzo del espíritu científico propio de la época (“Renaissance”). Los pintores reproducen la belleza en cuadros y esculturas bajo el ideal de los antiguos griegos y romanos, tanto en escenas religiosas como mitológicas. En especial, las invenciones de la imprenta y el grabado permiten acceder a las obras de la Antigüedad clásica, tanto literarias como artísticas. Ante todo, el Renacimiento es una renovación literaria, científica y artística en Europa.

ARTISTAS

1. Giovanni Bellini, italiano (1429-1516): “Embriaguez de Noé”, “Autorretrato”, “Sacra alegoría” (1490) y “Presentación en el templo”.

2. Hieronymus Bosch, alias “El Bosco”, holandés (1460-1516): “El jardín de las delicias”, “La adoración de los magos” y “El carro de heno”.

3. Alessandro di Mariano dei Filipepi, alias Sandro Botticelli, italiano (1444-1510): “El nacimiento de Venus” y “Primavera”.

4. Antonio Allegri “Correggio”, italiano (1494-1534): “La virgen de San Jerónimo”, “Io” y “Leda”.

5. Lucas Cranach, alemán (1472-1553): “La ninfa de la fuente” y “Retrato de Martín Lutero”.

6. Alberto Durero, alemán (1471-1528): “Autorretrato”, “El Caballero, la Muerte y el Demonio” (1513), “San Jerónimo en su estudio” (1514) y “La Gran Pasión” (1511).

7. Giorgio da Castelfranco, alias Giorgione, italiano (1477-1510): “La tempestad”, “Concierto campestre” y “Los tres filósofos”.

8. Matthias Nithart Gothardt, alias Grünewald, alemán (1470-1528): “Crucifixión” y “Retablo de Issenheim”.

9. Hans Holbein El Joven, alemán (1497-1543): “La familia del artista”, “La danza de la muerte”, “Cristo muerto” y “Erasmo escribiendo”.

10. Leonardo Da Vinci, italiano (1452-1519): “La dama del armiño”, “La Virgen de las Rocas” (1483-1486, 1493), “La Gioconda” o “Mona Lisa” (1503) y “La Última Cena” (1495-1498).

11. Andrea Mantegna, italiano (1431-1506): “El Parnaso”, El Martirio de San Cristóbal” (1459) y “San Sebastián” (1460).

12. Hans Memling, flamenco (1433-1494): “Tríptico del Juicio Final”, “El Matrimonio Místico de Santa Catalina” (1479), “Vírgenes” y “Adoración de los Reyes” (1479).

13. Miguel Angel Buonarroti, italiano (1475-1564): “Juicio final” y “Creación del mundo”, los cuales son frescos de la Capilla Sixtina; las estatuas de “La Piedad”, “Moisés”, “David” y “Lorenzo de Médicis”.

14. Rafaello Sanzio, italiano (1483-1520): “La disputa del sacramento”, “La Sagrada Familia”, “La Bella Jardinera”, “San Miguel derribando al demonio”, “La Fornarina”, “El pasmo de Sicilia”, “La Escuela de Atenas” y los frescos de las Cámaras y la Logia del Vaticano.

15. Jacopo Robusti, alias Tintoretto, italiano (1518-1594): “Descubrimiento del cuerpo de San Marcos”, “La gloria de Venecia”, “La gloria del Paraíso” y “Judit y Holofernes”.

16. Tiziano Vecellio, italiano (¿1488?-1576): “El amor sagrado y el amor profano”, “Venus recostada”, “Paulo III”, “Carlos I de España”, “El emperador Carlos V”, “Felipe II” y “Asunción de la Virgen”.

17. Paolo Cagliari, alias Veronés, italiano (1528-1588): “Baco revela a los hombres el secreto del vino”, “Las bodas de Caná” (1563), “El triunfo de Venecia”, “El rapto de Europa”, “Moisés salvado de las aguas” y “La Fiesta de Levi” (1573).

18. Piero di Benedetto da Borgo San Sepulcro, mejor conocido como Piero della Francesca, italiano (1420-1492): “Virgen y el Niño con ángeles, santos y el duque Federico II”; los frescos “La Leyenda de la Cruz Verdadera” (1452-1459), “La Resurrección” y “La Flagelación”; los cuadros “El Bautismo”, “La Madona de la Misericordia” y “La Madona Brera” (c. 1472).

III MANIERISMO

CONCEPTO

Es un estilo artístico surgido en Italia durante el siglo XVI. Ante todo, este arte es un tanto afectado y falto de naturalidad y se manifiesta en la pintura y la arquitectura, básicamente. Por ello, su término proviene de “manera”, es decir, el énfasis en la forma más que en el fondo de la obra. Se caracteriza por las figuras humanas distorsionadas, alargadas e intranquilas y los colores ásperos y violentos que intensifican el impacto emocional (“Mannerism”).

ARTISTAS

1. Doménico Theotocopulus, alias El Greco, español (1544-1614): “El entierro del Conde Orgaz”, “El caballero de la mano al pecho”, “Martirio de San Mauricio”, “Los Apóstoles”, “Vista de Toledo” y “El expolio”.

2. Bartolomé Esteban Murillo, español (1617-1682): “Niños comiendo fruta”, “El nacimiento de la Virgen” y “La Inmaculada Concepción”.

3. Peter Brueghel El Viejo, holandés (1525-1569): “Cazadores en la nieve” y “Masacre de los Inocentes”.

IV BARROCO

CONCEPTO

          Se desarrolla en los siglos XVI y XVII y se manifiesta en la arquitectura, la literatura, la música, la pintura y la escultura. Su particularísimo estilo artístico se produce primordialmente en Italia, España, Portugal, Francia, Austria y Alemania. Representa ante todo el resurgimiento del Catolicismo en Europa, bajo el impulso de la Contrarreforma y la monarquía española. Sus rasgos artísticos centrales son la sinuosidad en las líneas y formas, las expresiones de éxtasis espiritual en términos de pasión física, la teatralidad, las figuras agitadas y la distorsión de las imágenes (“Baroque”).

ARTISTAS

1. Michelangelo Amerighi, alias Caravaggio, italiano (1573-1610): “El funeral de Santa Lucía” y “Retrato de Alof de Vignacourt”.

2. Frans Hals, holandés (1580-1666): “El alegre bebedor” y “Fumador”.

3. Georges de la Tour, francés (1593-1652): “Job y su esposa”.

4. Harmenszoon van Rijn, llamado Rembrandt, holandés (1606-1669): “Autorretrato”, “Lección de anatomía”, “El faro”, “Tobías y su familia”, “El samaritano” y “Ronda nocturna”.

5. Peter Paul Rubens, holandés (1577-1640): “La educación de Marie de Médicis” y “El Descendimiento de la Cruz”, “San Jerónimo”, “Retrato de Elena Fourment”, “Descanso en la huida a Egipto”, “El juicio de París”, “Las Tres Gracias”, “La adoración de los Reyes” y “Retrato de Felipe III a caballo”.

6. Diego Rodríguez de Silva y Velázquez, español (1599-1660): “Vieja cocinando huevos”, “Las Meninas”, “Los borrachos”, “Las hilanderas”, “La rendición de Breda”, “La adoración de los Magos”, “La fragua de Vulcano”, “La Venus del espejo” y retratos de “Felipe IV”, “El príncipe Baltasar Carlos”, “Infantas” e “Inocencio X”.

7. Jan Vermeer van Delft, holandés (1632-1675): “La lechera”, “Mujer con la perla”, “Vista de Delft” y “La encajera”.

8. Francisco de Zurbarán, español (1598-1669): “San Jerónimo con dos santos” y “La aparición de San Pedro crucificado a San Pedro Nolasco”

9. Anthony Van Dyck, holandés (1599-1641): “La corona de espinas”, “Carlos I”, “La reina Enriqueta” y “Lord Azuendel”.

V NEOCLASICISMO

CONCEPTO

          Este movimiento artístico surgió en el siglo XVII en Francia y se prolongó durante el siglo XVIII. Principalmente, buscaba el ideal social, es decir, la imagen del ser humano como un ser social consciente y sujeto a ciertas disciplinas y, según el escritor francés Pierre Corneille, este ente de la sociedad podía asumir el papel de ser una persona analítica y racional capaz de manejar heroicamente sus pasiones y de distinguir el bien del mal, de acuerdo al dramaturgo Jean Racine (“Classicism”). En especial, las artes plásticas convergen hacia una perfección académica en las figuras humanas y con armónicos colores, construyendo verdaderos paradigmas humanos con una fuerte tendencia hacia la idealización.

ARTISTAS

1. Jacques-Louis David, francés (1748-1825): “Napoleón coronando a Josefina”, “Juramento de los Horacios” y “La muerte de Marat”.

2. Jean Auguste-Dominique Ingres, francés (1780-1867): “La última odalisca” y “La bañista”.

3. Nicolás Poussin, francés (1594-1665): “La inspiración del poeta” y “Las cenizas de Foción”.

4. Sir Joshua Reynolds, inglés (1723-1792): “Retrato del niño Hare” y “La edad de la inocencia”.

5. Giovanni Batista Tiépolo, italiano (1696-1770): “Muchacho con papagayo” y “Jesús en el lago de Tiberíades”.

VI ROCOCÓ

CONCEPTO

          Es un estilo artístico desarrollado en Francia a partir del Barroco durante el siglo XVIII, justo a finales del reinado de Luis XV. Sus formas artísticas revelan un estilo muy amanerado. Se extendió a Europa y floreció en la arquitectura, la pintura, la música y la literatura. Sus características más importantes se fundan en la excesiva ornamentación, la decoración interior de habitaciones, los arreglos asimétricos, las líneas curvas y la elaboración de volutas. En la pintura, se proyectan imágenes de gran erotismo, idealización de espacios exteriores y un ambiente frívolo con personajes propios de la aristocracia francesa.

ARTISTAS

1. Jean Honoré Fragonard, francés (1732-1806): “Muchachas en el baño” y “Figura de fantasía”.

2. Jean Antoine Watteau, francés (1684-1721): “Escenas galantes” y “La tienda de Gersaint”.

VII ROMANTICISMO

CONCEPTO

          Este movimiento artístico se proyecta en la literatura, la filosofía y el arte durante finales del siglo XVIII y principios del siglo XIX. Sus rasgos principales en las obras fueron la revelación de las fuerzas interiores, la naturaleza emocional del ser humano, la exaltación de los valores e ideas del individuo, la búsqueda de temas en la Edad Media, el valor de la inspiración y el nacionalismo en la cultura y la lucha política (“Romanticism”). En las pinturas, los colores son poderosos, las imágenes se vuelven un tanto turbulentas y se construyen escenas exóticas.

ARTISTAS

1. Ferdinand Victor Eugène Delacroix, francés (1798-1863): “La barca de Dante” (1822), “Mujeres de Argel”, “La matanza de Scio”, “La libertad guiando al pueblo” y “Sardanápalo”.

2. Théodore Géricault, francés (1791-1824): “La balsa de la Medusa” (1819).

VIII REALISMO

CONCEPTO

          El Realismo apareció en el siglo XIX en Europa y rápidamente se extendió al continente americano. El concepto esencial del Realismo en arte y literatura parte de la idea de que la percepción sensorial de los objetos tiene una existencia real y, por ello, los artistas y escritores tratan de ser fieles en la reproducción del mundo externo, de acuerdo a su experiencia y percepción sensorial (“Realism”). De esta manera, los creadores artísticos perciben y reproducen en sus obras la geografía, las costumbres, las ocupaciones, la comida, las vestimentas y la gente propia de una nación o región, mediante la creación de diversos paisajes y retratos.

ARTISTAS

1. John Constable, inglés (1776-1837): “La carreta de paja” y “La catedral de Salisbury”.

2. Gustave Courbet, francés (1819-1877): “Las cernidoras de trigo”, “Entierro en Ornans” y “El taller del pintor”.

3. Francisco de Goya y Lucientes, español (1746-1828): “La Maja desnuda”, “Los desastres de la guerra” (1810-1814), “Los fusilamientos del 3 de mayo”, “Los caprichos”, “La tauromaquia”, “Los disparates” y retratos de “Carlos III”, “María Luisa”, “Carlos IV y su familia”.

IX IMPRESIONISMO

CONCEPTO

          El Impresionismo es una escuela de pintura francesa aparecida en el siglo XIX, dentro de un tiempo de grandes avances científicos. Sus escenas y colorido coinciden con los rasgos sonoros de la música de los franceses Claude Debussy y Maurice Ravel fincados en lo exquisito y delicado. Para ello, los pintores configuran en sus obras la “impresión” que produce en el artista un objeto más que la propia realidad del mismo (“Impresionismo”). Esta corriente pretende evocar temperamentos e impresiones muy sutiles y, por ello, parte del análisis de la naturaleza de la fragmentación y difusión de la luz, las cuales son inspiradas por la aparición de la fotografía (“Impressionism”). De este modo, los pintores crean efectos especiales de la luz sobre las superficies pintadas en sus obras, creando un especial fenómeno óptico y natural y una ilusión colorista que seduce la mirada. Entonces, los colores se vuelven brillantes y sutiles en los cuadros impresionistas. Especialmente, se manifiesta en los cuadros un amor por recrear la presencia del aire en los espacios abiertos. Los principales pintores impresionistas son los franceses Édouard Manet, Claude Monet, Pierre Auguste Renoir, Paul Cézanne y Edgar Degas; el español Aureliano Beruete; el norteamericano James Whistler; y el mexicano Joaquín Claussell, entre otros. 

ARTISTAS

1. Hilaire Germain Edgar Degas, francés (1834-1917): “Después del baño” y “Bailarina”.

2. Édouard Manet, francés (1832-1883): “El Bar del Follies-Bergére”, “Fusilamiento del emperador Maximiliano”, “Olympia” (1865) y retrato de “Mallarmé”.

3. Claude Monet, francés (1840-1926): “Impresión: la salida del sol”, “Lirios acuáticos”, “Vista de Argenteuil”, “Catedral de Ruán”, “En el jardín” y “Ninfas”.

4. Berthe Morisot, francés (1841-1895): “La cuna”.

5. Camille Pissarro, francés (1830-1903): “Jardín en Pontoise”.

6. Pierre Auguste Renoir, francés (1841-1919): “Las grandes bañistas”, “El molino de la Galette”, “La niña del lazo azul” y “El paleo”.

7. James Abbot Whistler, estadounidense (1834-1903): “Armonía en rosa y gris”.

X POST-IMPRESIONISMO

CONCEPTO

          El Post-impresionismo constituye un grupo de reacciones contra el Impresionismo. Estas particulares tendencias nuevas fueron desarrolladas desde la última década del siglo XIX hasta principios del siglo XX. En algunos casos, esta corriente artística se inclina por el geometrismo, que luego derivará en la aparición del Cubismo. El Puntillismo es una de sus ramas, la cual se funda en “la descomposición de los tonos por pinceladas separadas” (“Puntillismo”). Es decir, el diseño del cuadro puntillista es construido a partir de “puntos” o pinceladas finas de pigmentos aglutinados hasta formar originales y novedosas figuras humanas, animales, vegetales y objetuales.

ARTISTAS

1. Pierre Bonnard, francés (1867-1947): “Desnudo en el baño”.

2. Paul Gauguin, francés (1848-1903): “El Cristo amarillo”, “Tahitiana” y “Vairumati”.

3. Georges Seurat, francés (1859-1891): “El circo”.

4. Henri de Tolouse-Lautrec, francés (1864-1901): “El salón de la calle des Moulins”.

5. Vincent Van Gogh, holandés (1853-1890): “Girasoles” y “Autorretrato”.

XI VANGUARDISMO O VANGUARDIAS

CONCEPTO      

          En general, esta doctrina artística reacciona contra el arte tradicional, a partir de una serie de corrientes pictóricas y escultóricas. De este modo, los artistas experimentan con sus obras y despliegan una gran novedad en sus imágenes plásticas. Históricamente, las vanguardias se ubican desde principios del siglo XX hasta la década de los sesenta. El vanguardismo tiene varias tendencias con rasgos estilísticos propios. Entre ellas, se cuentan el Cubismo, el Surrealismo, el Expresionismo, el Fauvismo, el Dadaísmo, el Futurismo y el Arte Abstracto.

11.1 CUBISMO

CONCEPTO

          Surge en París [Francia] en 1906 y plantea la representación de los objetos bajo formas geométricas. De esta manera, los artistas pintan objetos fácilmente identificables no como ellos los ven, sino como ellos los entienden estructuralmente, reorganizando los componentes más simples de los mismos hasta formar composiciones geométricas, con planos interrelacionados y con la descripción de diferentes aspectos de los objetos captados simultáneamente (“Cubism”). Ya para 1912, los cubistas habían creado obras más abstractas. También, configuraron esculturas con el mismo estilo geométrico. Pablo Picasso, Georges Braque y Juan Gris son los principales pintores cubistas.

ARTISTAS

1. Georges Braque, francés (1882-1963): “El pintor y su modelo”, “Mujer peinándose” y una serie de bodegones.

2. Paul Cézanne, francés (1839-1906): “Jugadores de cartas” y “Autorretrato”.

3. Marc Chagall, ruso (1887-1985): “El violinista verde”.

4. Robert Delaunay, francés (1885-1941): “Retrato de Wilhelm Uhde”.

5. Juan José Victoriano González, mejor conocido como Juan Gris, español (1887-1927): “La botella de Bordeaux” y “Mujer”.

6. Pablo Ruiz y Picasso, español (1881-1973): “Las señoritas de Avignon” (1907), “Guernica” (1937) y “Autorretrato”.

11.2 SURREALISMO

CONCEPTO

          El Surrealismo apareció en 1924 en París [Francia]. Es un movimiento en arte y literatura fundado por el escritor francés André Bretón. La aspiración principal de estos artistas y escritores fue liberar los poderes del subconsciente humano para crear imágenes estéticas y trascender la realidad objetiva (“Surrealism”). De este modo, los artistas plásticos crean imágenes del sueño y del subconsciente e imágenes abstractas con alto simbolismo.

ARTISTAS

1. Salvador Dalí, español (1904-1989): “La persistencia de la memoria o los relojes blandos” y “La pesca de atunes”.

2. Giorgio De Chirico, griego (1888-1978): “Nostalgia del infinito” y “Héctor y Andrómaca”.

3. René Magritte, belga (1898-1967): “La filosofía en el vestidor” y “El imperio de las luces”.

4. Joan Miró, español (1893-1983): “El carnaval de arlequín”, “Interiores holandeses”, “Constelaciones”, “El segador”, “Autorretrato” y “La masía”.

11.3 EXPRESIONISMO

CONCEPTO

          El término esta corriente proviene del sustantivo “expresión”, ya que los creadores se centran en expresar sus emociones en las pinturas y obras literarias de manera directa y muy emotiva. Este movimiento nace a finales del siglo XIX en Alemania y otros países nórdicos y se proyecta en las artes plásticas, el cine y la literatura hasta principios del siglo XX. En pocas palabras, el Expresionismo traspone la realidad a las obras de acuerdo a la sensibilidad especial de cada artista. En general, las obras reflejan sentimientos de desesperanza y ansiedad y atormentados y exaltados estados de la mente, puesto que los artistas buscan expresar directamente sus emociones (“Expressionism”). En las pinturas expresionistas, se observan un colorido intenso, la distorsión de las formas, líneas vigorosas y contrastes dramáticos entre las figuras, como una forma de remarcar las emociones (“Expressionism”). El Expresionismo es eminentemente arte figurativo, pero se prolonga en una tendencia llamada Expresionismo Abstracto, la cual parte de una combinación informal de líneas, colores, formas y texturas hasta proyectar un poder más grande de la expresión y de la excitación visual (“Abstract Expressionism”). Los principales creadores del Expresionismo figurativo son Edvard Munch, James Ensor, Emil Nolde y los miembros de los grupos The Brücke y Blaue Reiter, entre otros. Del Expresionismo Abstracto, son importantes los estadounidenses Jackson Pollock, Mark Tobey, Franz Kline, Arshile Gorky, Mark Rothko, entre otros.

ARTISTAS

1. James Sidney Ensor, belga (1860-1949): “Las máscaras y la muerte”.

2. Edvar Munch, noruego (1863-1944): “El grito”.

3. Jackson Pollock, estadounidense (1912-1956): “Ojos en el calor”.

11.4 FAUVISMO

CONCEPTO

          A principios del siglo XX, diversos artistas desarrollan en Francia un nuevo estilo de pintura, como parte de las tendencias variadas del arte vanguardista. De esta manera, el Fauvismo nace como una reacción contra el Impresionismo. Entonces, los pintores fauvistas buscan crear una expresión estética con el violento esfuerzo de plasmar colores puros en los lienzos y pintar la naturaleza en formas puramente pictóricas, alejadas de la clásica imitación formal de la misma (“Fauve”).  Entre estos pintores, se cuentan Henri Matisse, George Roualt, Raoul Dufy, Maurice de Vlaminck y André Derain.

ARTISTAS

1. Raoul Dufy, francés (1877-1953): “Deauville”.

2. Henri Matisse, francés (1869-1954): “Naturaleza muerta con peces rojos”.

3. Maurice de Vlaminck, francés (1876-1958): “Bailarina de la Rata Muerta”.

4. André Derain (1880-1954): “Autorretrato”.

11.5 DADAÍSMO

CONCEPTO

          Dadá o el Dadaísmo se caracteriza por ser un movimiento anti-burgués en arte y literatura. Se difundió en Europa justo después de la Primera Guerra Mundial. Como arte liberador, rechaza la moral tradicional y se orienta hacia el nihilismo y el absurdo, a partir de un llamado a ejercer la libertad y la espontaneidad en la creación artística (“Dada”). Entre sus principales artistas, se encuentran Tristán Tzara, Jean Arp, Marcel Duchamp, Max Ernst, André Bretón, Louis Aragón y Francis Picabia.

ARTISTAS

1. Marcel Duchamp, francés (1887-1968): “Desnudo descendiendo una escalera, núm. 2” (1912).

2. Max Ernst, alemán nacionalizado francés (1891-1976): “El Mundo”.

11.6 ARTE ABSTRACTO

CONCEPTO

          Como arte moderno, el Arte Abstracto comienza hacia 1910 y se prolonga en buena parte del siglo XX. En general, este novedoso y original arte utiliza elementos pictóricos “solos” en los cuadros para expresar ideas, sentimientos o sensaciones, alejándose del tratamiento tradicional de los objetos naturales en el arte (“Abstract art”).

ARTISTAS

1. Vassily Kandinsky, ruso (1866-1944): “Crepúsculo”.

2. Fernando Léger, francés (1881-1955): “Los fumadores”.

3. Antonio Tapiés, español (1923-): “Materia gris enferma de sombrero”.

4. Paul Klee, suizo (1879-1940): “Paisaje con pájaros azules”.

5. Gustav Klimt, austriaco (1862-1918): “El beso”.

6. Amedeo Modigliani, italiano (1884-1920): “Autorretrato” y “Desnudo”.

7. Piet Mondrian, holandés (1872-1944): “Manzano en flor”.

8. Georges Rouault, francés (1871-1958): “El éxodo”.

XII ARTE POP

CONCEPTO

          Aparece en la década de los sesenta y se extiende hasta finales del siglo XX. Se caracteriza por ser un estilo artístico derivado de los carteles publicitarios, las tiras cómicas y de la descripción de la vida cotidiana del capitalismo (“Pop art”). Evoca en sus lienzos a “la civilización contemporánea mediante composiciones a base de objetos cotidianos y de ilustraciones publicitarias” (“Pop”).

ARTISTAS

1. Andy Warhol, estadounidense (1928-1987):  “Díptico Marilyn” (1962), “Latas de sopa Campbell” (1962) y “Retrato de Mao Tse Tung” (1972).

XIII MURALISMO MEXICANO

CONCEPTO

          Este movimiento latinoamericano se desarrolla en buena parte del siglo XX, justo entre las décadas de los veinte y los setenta bajo la ideología del Nacionalismo Revolucionario y el impulso de los gobiernos de la Post-revolución Mexicana. Cuenta con cuatro generaciones de muralistas mexicanos y tuvo alcances internacionales, ya que influyó poderosamente en algunos pintores centroamericanos [el guatemalteco Carlos Mérida], sudamericanos [el ecuatoriano Osvaldo Guayasamín], de habla portuguesa [el brasileño Cándido Portinari], europeos [el francés Jean Charlot] y norteamericanos. Las obras del Muralismo Mexicano se caracterizan básicamente por los mensajes nacionalistas, políticos y sociales plasmados en los edificios públicos de México, de los Estados Unidos y de otras naciones. En dichas obras monumentales, los muralistas exaltan a los indígenas, las mujeres, los campesinos, los obreros y los revolucionarios y representan escenas históricas del pasado prehispánico, la Colonia Española, la Independencia, la Revolución y el periodo Posrevolucionario con la reconstrucción nacional y la creación de instituciones. En general, su estética puede encuadrarse bajo el Realismo Social. Entre sus exponentes más ilustres, se encuentran José Clemente Orozco, Diego Rivera, David Alfaro Siqueiros, Federico Cantú, Ramón Alva de la Canal, Roberto Montenegro, Rufino Tamayo, Juan O’ Gorman, Jorge González Camarena y José Chávez Morado.

ARTISTAS

1. José Clemente Orozco (1883-1949): “Miguel Hidalgo y Costilla”, “Hombre de fuego”, “La trinchera”, “Prometeo”, “La Épica de la Civilización Americana (1932-1934) y “Catarsis”.

2. Diego María de la Concepción Juan Nepomuceno Estanislao de la Rivera y Barrientos Acosta y Rodríguez, mejor conocido como Diego Rivera (1886-1957): “Tierra fecunda”, “Sueño de una tarde dominical en la Alameda Central”, “El Hombre, Controlador del Universo” y “La industria de Detroit” (1932-1933).

3. David Alfaro Siqueiros (1896-1974): “Me llamaban el Coronelazo”, “Madre campesina”, “Imagen actual”, “Cuauhtémoc contra el Mito”, “Muerte del invasor” y “Zapata”.

4. Juan O’ Gorman (1905-1982): “Representación histórica de la cultura”, “Retablo de la Independencia”, “Retablo de Francisco I. Madero”, “La historia de Michoacán” y “Alegoría de México”.

5. Rufino Tamayo (1899-1991): “Nacimiento de nuestra nacionalidad” (1952), “México de hoy” (1953), “América” (1955) y  “Homenaje a la raza”.

6. José Chávez Morado  (1909-2002): “El retorno de Quetzalcóatl” “La conquista de la energía”, “El mundo azteca”, “La nacionalidad”, “El mundo maya” y “Mapa de transportes”.

7. Jorge González Camarena (1908-1980): “Presencia de América Latina”, “La conquista” (1960), “El triunfo de la cultura” (1954), “Historia de México” (1955), “Un dorado del norte” (1958), “La revolución de 1910” (1958) y “La seguridad social” (1958).

CONCLUSION

          En conclusión, el arte de Occidente muestra una gran riqueza de movimientos, obras y artistas, bajo la egida de un arte de autor. Desde el arte medieval, la autoría y el estilo particular de cada artista han quedado registrados en la historia del arte occidental. Con la modernidad y el individualismo del capitalismo, el arte moderno y el arte contemporánea han reforzado aun más este original arte de autor.

El presente recuento intenta ser un sencillo sumario, a partir de los adalides y autores representativos de cada movimiento artístico. Por ello, se excluye a los artistas que no se ubican claramente en un movimiento central del arte occidental. Por otro lado, se omite en este artículo el periodo artístico que abarca entre finales del siglo XX y las dos primeras décadas del siglo XXI. En este tiempo propio del Capitalismo Global, aparecen numerosos pintores y escultores, corrientes artísticas y obras de gran calidad estética. Por ello, es necesario hacer otro breve recuento de todos ellos. Sin embargo, hace falta que transcurra más tiempo y tener una mejor perspectiva crítica para ubicar mejor a los máximos creadores del periodo de 1980 a 2019. Por lo pronto, ya hay bastante información crítica en Internet y en otras fuentes de información sobre los artistas y las obras de las últimas cuatro décadas. De esta manera, puede escribirse otro sumario sobre el arte bajo el Capitalismo Global en Occidente, para complementar el presente texto.

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