"BUENAS GENTES", "LA DE OCHO COLUMNAS" Y "DIAS DE MUERTOS" DE OSCAR ROBLES EN AMAZON BOOK EDITORS

BUENAS GENTES, LA DE OCHO COLUMNAS Y DÍAS DE MUERTOS DE ÓSCAR ROBLES EN AMAZON BOOK EDITORS

ÓSCAR ROBLES

       Los tres libros citados en el título del presente texto fueron publicados por la distinguida empresa AMAZON BOOK EDITORS entre octubre y diciembre de 2019. Oscar Robles tambien es autor del poemario Sangre de Circe (1989) y el cuentario Historias de familia (1998). Asimismo, ha publicado numerosos textos sobre arte, cine, literatura y otros temas.

Primeramente, Buenas gentes (2019) son narrativas cotidianas sobre los modos de vida, el habla popular, las costumbres y los problemas sociales de la ciudad de Chihuahua, desarrollados bajo el subdesarrollo económico, el capitalismo moderno de economía cerrada y el Estado autoritario de México. El volumen contiene ocho cuentos con personajes de ficción, tales como amas de casa, comerciantes, obreros, inmigrantes y estudiantes. En tanto, la mayoría de los conflictos personales y sociales se ubican en las últimas cuatro décadas del siglo XX y principios del siglo XXI.

En segundo lugar, La de ocho columnas (2019) son narrativas cotidianas sobre los temas del crimen, la violencia y el periodismo. Se compone de siete cuentos con historias de crimen que podrían aparecer en la nota roja de los periódicos y que se relacionan con el contexto social de la ciudad de Chihuahua durante la década de los ochenta. Los personajes de ficción son criminales, agentes ministeriales, policías, periodistas, familiares y amigos de los involucrados en los delitos.

En tercer lugar, Días de muertos (2019) es un libro de poemas con la muerte como tema central, tema universal y tema mexicano. Los veintidós poemas de dicho volumen expresan angustia y reflexión en torno a la muerte de familiares, personas anónimas, soldados norteamericanos e inmigrantes mexicanos y se enfoca en sueños, miedos y pesadillas fúnebres, entre otros asuntos poéticos.

Los gentiles lectores de mi Blog pueden leer más información sobre el contenido de los tres libros de escritura creativa descritos arriba y sobre el autor de los mismos en el sitio www.amazon.com. Asimismo, pueden adquirir estas tres publicaciones en edición impresa en papel o en edición digital Kindle, vía Internet, en la siguiente conexión:

https://www.amazon.com/Oscar-Robles/e/B001KHXYM8%3Fref=dbs_a_mng_rwt_scns_share

Por otro lado, también está a la venta en dicha compañía norteamericana mi estudio Identidades Maternacionales en el cine de María Novaro (New York: Peter Lang, 2004). En particular, este libro discute asuntos de la subjetividad femenina, la familia mexicana y la identidad nacional en los filmes Lola (1989), Danzón (1991) y El jardín del Edén (1994) de la directora mexicana María Novaro.

         Muchas gracias por su atención. Ojalá que adquieran y quieran mis libros. Sólo hay que ordenarlos a la empresa AMAZON por Internet.

         

"LIGHT IS BORN" DE WERNER WILHELM KRAMER: LA INVENCION DE LA LUZ COMO ARTE ABSTRACTO Y FIGURATIVO

“LIGHT IS BORN” DE WERNER WILHELM KRAMER: LA INVENCIÓN DE LA LUZ COMO ARTE ABSTRACTO Y FIGURATIVO

  

ÓSCAR ROBLES

“Light is Born” / Öl auf Leinwand de Werner Wilhelm Kramer [50 x 60 cm., 2017].

       En general, las pinturas del alemán Werner Wilhelm Kramer configuran un brillante arte abstracto que sugiere a la vez posibles universos fabricados, secretos y altamente imaginativos. Por este motivo, sus lienzos también pueden verse como un vigoroso y bien trazado arte figurativo. Varios de sus cuadros son muy sugerentes e inventan imágenes que surgen de la gran invención estética de un artista muy personalísimo.

Ante todo, las obras pictóricas de este artista europeo revelan una profunda intuición artística y una poderosa construcción intelectual, ya sea de orden científico, religioso o de otra disciplina del conocimiento humano. Finalmente, la factura artística es muy original, tejida a base de imágenes geométricas que son invadidas por chorros o goteos de pigmentos que simulan líquidos. De esta manera, las imágenes fluidas rompen la lógica del geometrismo exacto y racional.

          Entre estos cuadros abstractos, sobresale la serie de pinturas sobre el infierno. En particular, estas obras exploran mundos metafísicos y religiosos posibles desde la perspectiva artística de la pura invención fantástica del artista germano. Es posible que Kramer se inspire un tanto en la obra clásica y universal de La Divina Comedia (1307-1321) del italiano Dante Alighieri, para plasmar una perspectiva visual y muy plástica del infierno, de acuerdo a la visión cristiana occidental.

En sí, estas obras sobre el infierno pueden lucir como arte abstracto y al mismo tiempo reflejan una bella visión panorámica aérea de los círculos del infierno, insertados en una geografía oscura y “rocosa”. Estos círculos del infierno son pintados en diferentes y variados colores vivos y están rodeados de una orografía textural y rugosa que simula telúricas cavernas o territorios. De este modo, el arte abstracto deriva hacia un sugestivo arte figurativo.

          A este vertiente imaginativa y vigorosamente intelectual, pertenece el cuadro “Light is Born”. Fundamentalmente, esta obra ilumina el nacimiento de la luz en medio de la oscuridad y sobre superficies materiales sólidas y chorreantes. En este sentido, esta escena sola puede verse como una postura científica, pero inventada por la imaginación creadora. Entonces, la luz del cuadro es eléctrica y brota justo en ese espacio virtual. Por otro lado, esas figuras doradas pueden ser la representación imaginativa de la luz natural, universal  y/o cósmica, dentro del mundo o en el espacio sideral.

En el centro de la pintura, un bello caracol de luz incendia parcialmente la superficie del lienzo. Esta bella figura es rodeada por una especie de alambres o emanaciones brillantes y doradas que representan precisamente la luz o la electricidad. En tanto, “el regazo material” de la parición de la luz aparece como superficies o muros. Son de color gris oscuro y son bañados por unos delicados y sugerentes goteos de plomizo color. De esta manera, la milagrosa luz surge en medio de esa “región” oscura que domina todo el cuadro. De esta manera, el contraste cromático potencia los volúmenes y el sugerente dibujo para iluminar una gran invención pictórica de gran intuición estética.

          En especial, los chispazos o alambres dorados son cuidadosamente pintados y completan la intuitiva escena del nacimiento de la luz. Por ello, el título del cuadro concentra el contenido de la escena. Esta mágica luz de caracol puede representar la electricidad o la luz natural, como ya se apuntó arriba. Al mismo tiempo, este caracol iluminante puede verse simbólicamente como el surgimiento de la luz creadora del arte mismo. Por ello, emana una estela mágica teñida de colores amarillo brillante y velos plomizos y un  tanto transparentes.

Por su parte, los chorreos plomizos verticales se desgajan hacia abajo hasta verse reflejados en la superficie de la parte inferior que funciona como una especie de espejo. Este rasgo estilístico de Kramer aparece en varios de sus cuadros: Figuras geométricas que son empapadas por imágenes fluidas irregulares y chorreantes.

En conjunto, el contraste de los fluidos oscuros y amarillos remarca toda la escena y representan el milagro de la luz recién nacida. De esta manera, el pintor Kramer conjuga arte y tecnología, arte abstracto y arte figurativo, intuición estética y construcción intelectual y destreza artística y originalidad.

          Werner Wilhelm Kramer es un artista plástico y un galerista alemán. Es propietario de la galería Künstler bei galerie Ohne Namen. Actualmente, reside en la población de Hürt en Westphalia, Alemania. Esencialmente, su serie de pinturas sobre el infierno es muy destacada. Estos cuadros circulan por el sitio de Linkedin.

          Los gentiles lectores de mi Blog pueden disfrutar la obra “Light is Born” en la siguiente conexión de Internet:   

https://www.linkedin.com/feed/update/urn:li:activity:6611547548756783104/?commentUrn=urn%3Ali%3Acomment%3A(activity%3A6611547548756783104%2C6611622155799142400)

"ABSTRACT OKER 1" DE SEF BERKERS: LA ARMONIA CROMATICA DEL ARTE ABSTRACTO Y LA INTUICION ARTISTICA PURA

“ABSTRACT OKER 1” DE SEF BERKERS: LA ARMONÍA CROMÁTICA DEL ARTE ABSTRACTO Y LA INTUICIÓN ARTÍSTICA PURA

                                                       

             

ÓSCAR ROBLES

          “ABSTRACT OKER 1” DE SEF BERKERS.

          El arte pictórico de Sef Berkers es rico y versátil.  Se orienta unas veces hacia el arte figurativo y otras hacia el arte abstracto. En el primer caso, destacan los cuadros de la interesante serie de escenas con personajes tomados del cine estadounidense, las cuales fueron desarrolladas en un estilo un tanto expresionista, con un dibujo difuso y un trazo básico para construir la escena. Ante todo, el cromatismo impacta por la apropiada acomodación de los colores en el lienzo. En tanto, los colores oscuros aparecen más en el diseño de la figura humana. Por ejemplo, el pintor creó una escena del filme Un tranvía llamado deseo (1951) del norteamericano Elia Kazan, en la cual aparece Marlon Brando en el papel de Kowalski.

En el arte abstracto, sobresale la pieza “Abstract Oker 1”. Esta obra proyecta la gran intuición creativa y cromática del artista europeo. Los manchones diluyentes de colores blanco y amarillo mostaza son armónicos y se imponen al centro del cuadro con su natural belleza colorativa. En tanto, los trazos irregulares del color café oscuro constituyen un elemento disruptivo en términos de dibujo. En conjunto, los tres colores configuran un mundo autónomo e irracional, pero bello. Por su parte, el neutral fondo gris permite resaltar la yuxtaposición de dichos manchones y rayones emanados directamente de la intuición del artista.

Por todo ello, las imágenes de Berkers en este cuadro abstracto son irregulares y se apartan del lógico geometrismo.  De este modo, dichas figuras inexplicables se diluyen en el lienzo como materia fluyente e ilógica, para lucir más como trazos instintivos, emocionales e irracionales que surgen de la imaginación pura como matriz creadora.

El propio Berkers explica en inglés cómo fue el proceso de pintar esta pintura abstracta, basándose en las ideas centrales del pintor franco-estadounidense Marcel Duchamp (1887-1968). He aquí la traducción al español realizada por el autor del presente artículo: “Cuando hice esta pintura, no sabía lo que estaba haciendo o lo que quería.” Luego, Berkers cita las siguientes ideas del propio Duchamp para explicar la creación de “Abstract Oker 1”: “El artista realiza solamente una parte del proceso creativo. El espectador lo completa, y es el espectador quien tiene la última palabra”.

          Sef Berkers es un artista plástico danés, experto en arte visual, comisionado de arte y forjado en el desarrollo de las bellas artes y el diseño de interiores. Estudió pintura en las academias europeas de Konijkinle en Vormgevin Von Bosch (1985-1987), Beeldende Kunsten Maastrich (1990-1991) y Ateliers Anherm (1991-1992). Actualmente radica en la población de Venlo, Provincia de Linburg en Dinamarca.

En el sitio de Linkedin, el propio Sef Berkers informa sobre las galerías que exhiben una parte importante de su gran obra artística. Uno de ellos es HNWgallery. Para ello, los lectores pueden remitirse al sitio siguiente: https://hnwgallery.com/ También, las obras del artista danés se encuentra en Instagram bajo el siguiente conexión de Internet: <https://lnkd.in/gsspBmF hashtag#Art hashtag#Artwork hashtag#Design hashtag#InteriorDesign hashtag#InteriorArchitecture>.

          Los amables lectores de mi Blog pueden contemplar la interesante pieza “ABSTRACT OKER 1” en la siguiente conexión.

https://www.linkedin.com/feed/update/urn:li:activity:6604656405729300480/?commentUrn=urn%3Ali%3Acomment%3A(activity%3A6604656405729300480%2C6605564561548554240)

"QING MING" DE ZHAO KAI LIN: FINO Y REALISTA RETRATO DE UNA JOVENCITA ORIENTAL

“QING MING” DE ZHAO KAI LIN: FINO Y REALISTA RETRATO DE UNA JOVENCITA ORIENTAL

ÓSCAR ROBLES

“Qing Ming” de Zhao Kai Lin [oil on canvas 42 x 27”].

La sola mirada bella y profunda eterniza el cuadro. El único personaje posa para un retrato de cuerpo entero. En el centro de esta obra, una esbelta jovencita se yergue como una preciosa flor espigada, tersa y colorida, envuelta toda ella en la tela de su propio vestido, que es arte en sí mismo.

Ella mira con cierta ternura y curiosidad hacia el frente. Tal vez contempla el trabajo del propio pintor oriental que la inmortaliza con sus pinceles y pigmentos y la destreza de sus manos refinadas. Zhao Kai Lin la fija en el tiempo, instante y eternidad, con la delicada percepción de su mirada de artista. En especial, esos ojos negros como fruta de ella revelan alta concentración hacia el propio acto creador de arte.

La piel de la jovencita es delicada; sus pequeños labios abultados lucen como una deliciosa cereza o una flor en capullo, justo debajo de la nariz un tanto alargada. En tanto, el cabello está recogido y deja ver el esplendor luminoso de toda la piel suave y bella de su cara.

Su vestido oriental es bello y lujoso y lleno de colores elegantes, rojo y azul dominantes con detalles en rosa, verde y amarillo. En sí, este vestido es otro lienzo, una pintura ficcional, donde el artista despliega otra escena de artesanía pura y delicada: Delicados diseños florales y vegetales y algunos trazos geométricos.

Los otros objetos fríos y materiales de la pintura cumplen la función de enmarcar el vitalismo, la inocencia y la belleza del único personaje central, la flor en esplendor. Ella está un tanto recargada en un mueble cubierto con una manta color durazno. Atrás de ella, los muros veteados de color marrón claro y oscuro y gris contrastan con la tersura de las telas, el rostro y los brazos sedosos y tan bellos de la jovencita como flor y tallos.

En suma, “Qing Ming” es un perfecto retrato de una niña o adolescente. En general, muestra un gran realismo pictórico en sus trazos y un balance entre dibujo, color y volumen. Así pues, la figura corporal y el exquisito rostro son memorables y permanecen en el tiempo del arte verdadero y en la memoria de los espectadores.

Este refinado retrato al óleo es obra del artista oriental Zhao Kai Lin y fue vendido recientemente en Tao Art Gallery de la ciudad de Barnstable, Massachusetts de los Estados Unidos, según informa la propia galería en su espacio de Linkedin.

Los gentiles lectores de mi Blog pueden admirar esta brillante pintura en la siguiente conexión de Internet:

https://www.linkedin.com/feed/update/urn:li:activity:6604447601242755072/?commentUrn=urn%3Ali%3Acomment%3A(activity%3A6604447601242755072%2C6604821133705523200)

"DIAS DE MUERTOS" Y "LA DE OCHO COLUMNAS" DE OSCAR ROBLES EN AMAZON BOOKS EDITORS

DÍAS DE MUERTOS Y LA DE OCHO COLUMNAS DE ÓSCAR ROBLES EN AMAZON BOOKS EDITORS

ÓSCAR ROBLES

          Días de muertos (2019) es un libro de poemas con la muerte como tema central. Los veintidós poemas de dicho volumen expresan angustia y reflexión en torno a la muerte de familiares, personas anónimas, soldados norteamericanos e inmigrantes mexicanos y sueños, miedos y pesadillas fúnebres, entre otros asuntos poéticos. En tanto, La de ocho columnas (2019) se compone de siete cuentos con historias de crimen que podrían aparecer en la nota roja de los periódicos y que se relacionan con el contexto social de la ciudad de Chihuahua durante la década de los ochenta.

        Ambos libros fueron publicados por la distinguida empresa AMAZON en octubre y noviembre de 2019, respectivamente. Los gentiles lectores de mi Blog pueden leer más información sobre tales libros de escritura creativa y sobre su autor en el sitio www.amazon.com.  Asimismo, pueden adquirir ambas publicaciones vía Internet en la siguiente conexión:

https://www.amazon.com/OscarRobles/e/B001KHXYM8%3Fref=dbs_a_mng_rwt_scns_share.

Por otro lado, también está a la venta en dicha compañía norteamericana mi libro Identidades Maternacionales en el cine de María Novaro (New York: Peter Lang, 2004), el cual discute asuntos de subjetividad femenina, familia e identidad nacional.

          Muchas gracias por su atención.

         

"NOLI ME TANGERE" DE THEO VAN DE GOOR: ESCULTURILLA HUMANA ESTILIZADA, GROTESCA Y AUTOCRITICA

“NOLI ME TANGERE” DE THEO VAN DE GOOR: ESCULTURILLA HUMANA ESTILIZADA, GROTESCA Y AUTOCRÍTICA

ÓSCAR ROBLES

                                                 

“Noli me tangere” de Theo van de Goor [Self portrait. Small object. Wood, canvas, oil paint. Height: 25 cm.].

          Esta escuálida efigie es inspirada en parte por las esculturillas extremadamente delgadas del artista suizo Alberto Giacometti. Algunos de sus seguidores en el sitio de Linkedin piensan que las esculturas etruscas también están presentes en la estilización de esta destacada obra escultórica.

La efigie es, básicamente, la exquisita figura erguida de un hombre de complexión muy delgada. Este hombre representa al típico hombre formal de oficina o profesionista, pues viste de traje gris, camisa blanca, pantalón azul de mezclilla y una corbata pequeña azul claro.

En realidad, la formalidad del traje es aparente y se proyecta un marcado sesgo autocrítico y burlesco: No sólo es una figura flaca en extremo y patética e indefensa en su postura erguida, sino que también la cara luce como un payaso con maquillaje blanco, mejillas enrojecidas, cabello negro y corto, un tanto calvo y gesto maquinal y muy serio.

En especial, la alargada nariz y el rostro paralizado y tallado como madera hacen pensar en la figura del muñeco Pinocho, el personaje celebre de la novela homónima del italiano Carlo Collodi. Incluso, algunas partes de la ropa lucen manchadas y/o desgarradas.

De esta manera, van de Goor propone esta escultura como una imagen melancólica de sí mismo, es decir, es un autorretrato en forma de efigie. Esencialmente, el creador danés eleva a esta figurilla a una gran calidad artística, gracias a la calidad de las tallas, la exquisita estilización, los gestos expresionistas del rostro, la ropa deteriorada, el enfoque grotesco y de franco auto-escarnio y el apropiado “tejido” de los colores claros.

Particularmente, el título de la obra en latín hace referencia a un episodio de Jesucristo y significa “No me toquen”. Por este motivo, el nombre de esta escultura subraya la tristeza, soledad y aislamiento del personaje inventado. Asimismo, los rasgos emocionales y físicos de cara, cuerpo y ropa se aplican por extensión a su propio creador, el artista van de Goor.

Theo van de Goor es un artista danés. Radica en Eindhoven, North Brabant Province, Dinamarca. Estudió arte en la escuela Jan Van Eyck Academy Maastricht. Sus pinturas, esculturas y grabados exploran los temas del Bodegón, las escenas naturales, los autorretratos, las fábulas y las escenas clásicas, bíblicas y míticas, según la fecha biográfica del sitio de Linkedin. Cuenta con más de veinte exposiciones individuales y casi veinte muestras colectivas, dentro de su larga carrera de artista que ha durado cuarenta y un años.

Los amables lectores de mi Blog pueden contemplar esta interesante esculturilla en la siguiente conexión de Internet:

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"ENCOUNTER" DE JACOB BERGHOEF: LA SUTIL ALMA Y LA BELLEZA SERENA DEL PAISAJE NATURAL

“ENCOUNTER” DE JACOB BERGHOEF: LA SUTIL ALMA Y LA BELLEZA SERENA DEL PAISAJE NATURAL

“Encounter” de Jacob Berghoef [Fotografía en color de la serie “Beyond the Horizon” de la galería “Untouched Land”].

La naturaleza agreste y los espacios secretos e inusitados de natura son los temas predilectos de la fotografía de Jacob Berghoef. En la foto “Encounter”, el artista danés capta un delicado, sereno y mágico paisaje compuesto de agua, tierra y cielo, todos ellos elementos básicos de la naturaleza. Los colores son suaves, bellos y armónicos. En especial, la perspectiva visual lejana permite captar una yuxtaposición de capas telúricas, acuáticas y celestes de suprema belleza. Ante todo, el alma refinada del artista percibe la sutileza de los espacios naturales.

La imagen de dicha foto es figurativa, pues proviene de la naturaleza real del paisaje danés. Sin embargo, la poderosa intuición y percepción visual del fotógrafo europeo hace que la fotografía luzca como un lienzo de arte abstracto muy original y seductor para la mirada, en el cual los volúmenes, colores y formas parecen caprichosamente inventados por un pintor contemporáneo.

El propio artista Berghoef describe en inglés los principales aspectos sensoriales del paisaje fotografiado por él. He aquí la traducción al español hecha por el autor del presente artículo:

“El viento susurra donde la tierra se encuentra con el océano. Todos los sonidos se apagan paulatinamente. Tomé esta foto al principio de la primavera en la reservación natural del Parque Nacional Thy en el noroeste de Jutlandia, Dinamarca. Esta parte de la reserva natural es llamada “Reserva de Vida Silvestre Hanstholm” [Hanstholm Vildreservat]. En el horizonte uno puede ver una franja de luz azul: El Mar del Norte.”

En general, las numerosas fotografías paisajísticas de Jacob Berghoef son verdaderas joyas de arte, pues captan con singular visión el alma o espíritu de la naturaleza de Dinamarca. En este sentido, el artista danés es un místico del arte y la naturaleza. Varias de ellas son mágicas, como fabricadas para el cine fantástico y los cuentos de hadas.

          Los gentiles lectores de mi Blog pueden admirar esta brillante foto en la siguiente conexión de Internet:

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"LA MIA PICCOLA CITTA DEL FUTURO" DE FULVIO TACCINI: UNA VISION COLORIDA Y POSITIVA DE LA CIUDAD MODERNA

“LA MIA PICCOLA CITTÀ DEL FUTURO” DE FULVIO TACCINI: UNA VISIÓN COLORIDA Y POSITIVA DE LA CIUDAD MODERNA

ÓSCAR ROBLES

“La mia piccola città del futuro” [técnica mixta sobre papel, sin fecha] de Fulvio Taccini.

         

En este cuadro, el pintor europeo plasma la imagen de una ciudad mágica y colorida. Se miran los edificios de varios pisos y las calles, como una toma panorámica vista desde las alturas. Como reza el título del cuadro, es la ciudad imaginaria del futuro para el destacado artista. No es una ciudad de luces y sombras bajo la noche. La entera imagen luce un poco difusa tanto en dibujo como en distribución de colores, para dar la apariencia de distancia. De este modo, el dibujo es sencillo y las luces de colores se desparraman masivamente sobre el espacio urbano, para transformar la apariencia de la urbe.

En la pintura, resaltan los rascacielos de colores vivos e intensos, tales como el morado, el violeta, el azul, el amarillo, el café y el verde, entre otros. Sobre todo, el “baño” de luces multicolores sobre la ciudad embellece y emana un sentido de alegría.

En suma, el cuadro de Taccini es un espacio de vida y color y un culto a la ciudad moderna con sus rascacielos, sus calles y luces que brillan espléndidamente en la noche. El paisaje es paradójicamente nocturnal o de noche, según agrega una nota el propio pintor en la descripción de su cuadro. En este sentido, las luces de colores diseminan las sombras de la noche casi completamente y sólo se miran las luces eléctricas en las ventanas. En suma, luce como una ciudad caótica, pero llena de vida y luz.

El estilo de Tuccini no es realista, sino fantástico, ya que transforma a la ciudad con la imaginación vigorosa del artista y proyecta un optimismo y una utopía posible sobre el destino de la ciudad moderna en el futuro.

Fulvio Taccini es un pintor y un ceramista de origen italiano. Se considera como un artista “preso en su estudio” de la ciudad de Toscana, Italia.

Los gentiles lectores de mi Blog pueden contemplar esta interesante pintura en la siguiente conexión de Internet:

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"RENENAEF" DE SALAM AHMAD: EXPRESIONISMO DESCARNADO, SOLEDAD Y VACIO EN UN RETRATO HUMANO

“RENENAEF” DE SALAM AHMAD: EXPRESIONISMO DESCARNADO, SOLEDAD Y VACÍO EN UN RETRATO HUMANO

ÓSCAR ROBLES

“Renenaef” de Salam Ahmad [work in Biel City].  

Este retrato es muy expresionista y muy crítico de la condición humana moderna. El rostro de este hombre muestra soledad y vacío en sus memorables gestos faciales. Para el artista, este personaje solitario y grotesco es una manera de reflejar la vida urbana moderna en las metrópolis. Por ello, los rasgos físicos del cuadro son en realidad una radiografía profunda del alma humana. De este modo, el personaje puede verse como un paradigma, un arquetipo del ser humano sufriente y solitario.

En pocas palabras, este hombre ficcional del artista Ahmad sólo enseña su rostro sobre un fondo oscuro y el cuello apenas se mira, raquítico, mínimo. El copete de color marrón claro es apenas un síntoma de vida.  Sin embargo, dominan los imponentes colores pálidos. En tanto, el dibujo difuso refuerza el hondo expresionismo de la cara. En especial, los ojos negros, vacios y sin brillo o iris impresionan sobremanera y enfatizan el carácter fantasmal del ser humano del siglo XXI.

Por otro lado, el retrato puede verse como la figura de un fantasma onírico o de un muerto. Por ello, el cabello gris adquiere fuerza con los tonos oscuros del fondo, el cual puede ser un mundo de soledad o quizá un mundo de ultratumba. Sobre todo, la cara extremadamente blanca lo acerca a la forma de la calavera, tal vez para indicar que es una especie de muerto en vida. 

En suma, la cara de este hombre puede despertar horror o compasión al mismo tiempo. Incluso, puede ser un espejo del ser humano por dentro. En este aspecto, estriba el poder de este gran y original retrato humano, plasmado por el pintor desde la perspectiva de acercamiento. En  general, esta pintura es básica y un solo personaje refuerza el poder estético del expresionismo de Ahmad: Es, pues, sólo una faz solitaria colgando en el vacío del fondo oscuro.

          Salam Ahmad es un pintor y poeta sirio de gran talento artístico. Una buena parte de su obra se inclina a los retratos de seres humanos solitarios y tristes. En general, todas estas obras integra una serie de espectros humanos de gran fuerza expresiva y crítica, los cuales son al mismo tiempo visiones oníricas. En general, sus obras pictóricas son retratos expresionistas que plasman una imagen deformante y critica del ser humano moderno. En estas pinturas, dominan los colores pálidos, tales como el blanco, el verde y el amarillo, los cuales adquieren gran fuerza artística sobre fondos negros.  
     Finalmente, los gestos faciales de todos sus personajes reflejan angustia, desesperación, tristeza, dolor, vacío y soledad. En cierta forma, sus obras representan el “puro hueso” del Expresionismo alemán y un arte descarnado, cuyas carnes y pieles representan el alma de los seres humanos. En este sentido, los seres humanos de sus cuadros son personajes universales. Sus obras circulan en el sitio de www.linkedin.com.

         Los gentiles lectores de mi Blog pueden admirar la pintura “Renenaef” de Salam Ahmad en la siguiente conexión de Internet:

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"TEMPLE OF LIGHT" DE SHAWN HEINRICHS: POETICA FOTOGRAFIA DE MAR, MUJER Y ABISMO

“TEMPLE OF LIGHT” DE SHAWN HEINRICHS: POÉTICA FOTOGRAFÍA DE MAR, MUJER Y ABISMO

ÓSCAR ROBLES

“Temple of light” [Photography by Shawn Heinrichs, BOOK of ART by Lukasz Rafal Stojak, Daily Curator, A Series Of World Artists].

Es una poderosa fotografía con una perspectiva panorámica de suprema belleza visual, en la cual aparecen el mar, la mujer y el abismo en simbiosis estética perfecta. Se conjugan en esta prodigiosa obra, el abismo oscuro y el azul de las aguas bañadas suavemente por la luz del día, todos ellos elementos de la naturaleza. Dentro de las aguas azulinas y delicadas flota una hermosa mujer semidesnuda como si fuera un componente natural del agua abismal. En esa “vitrina” o “pecera”, la mujer luce como original bailarina de ballet, ninfa marina, trapecista, sirena, sueño delicioso, aparición inusitada y fabulosa y como una pececita envuelta en sus blancos y transparentes velos-escamas.

Justo abajo y en torno a ella, la honda barranca telúrica llena de agua resalta como un serio peligro, como una oscura caverna y como el símbolo de la mente y la muerte, donde puede perderse el instante maravilloso y fino del arte y la belleza. Sin embargo, el nombre de la foto subraya un profundo sentido religioso y metaforico: Es un "templo de luz".

Los gentiles lectores pueden contemplar esta brillante fotografía del artista Shawn Heinrichs en el sitio de Linkedin. He aquí la conexión directa en Internet para verla:

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"OCEANIDES" DE AKSELI GALLEN-KALLELA: LOS SENSUALES CUERPOS VIOLETAS DE LAS MUJERES DEL MAR

“OCEANIDES” DE AKSELI GALLEN-KALLELA: LOS SENSUALES CUERPOS VIOLETAS DE LAS MUJERES DEL MAR

ÓSCAR ROBLES

“Oceanides” [“Aallottaret”, 1909] de Akseli Gallen-Kallela.

En este delicioso cuadro, cinco mujeres plenamente desnudas se bañan en el mar espléndidamente azulino. Tres de ellas juegan con el agua en compañía de extraños reflejos solares; otras dos descansan sobre la arena con sus cuerpos abiertamente extendidos. En general, esta pintura constituye una intensamente sensual, altamente colorida y mágica fantasía de bella desnudez femenina en la playa.

El agua del océano refleja luces blancas con serpentinas doradas. En tanto, la breve arena es de color amarillo dorado. En el primer plano,  descansan dos féminas que derraman erotismo con sus cuerpos relajados, sus poses descaradas y sus cabellos rubios. Sin embargo, la fantasía estética mayor de la pintura es el inusitado color violeta de sus cuerpos, en los cuales resaltan las turgencias sensuales de senos, nalgas y piernas y asoman como pajarillos tímidos algunos tiernos pubis de follaje sugerente. En tanto, los rasgos faciales casi no aparecen delineados.

        El dibujo de este cuadro es intencionalmente difuso y un tanto borroso para privilegiar el sensualismo de la escena. En tanto, los volúmenes corporales femeninos emanan sensualidad delicada y proyectan una exquisita y perfecta delgadez. Por su parte, los colores intensos y brillantes potencian la belleza del entero cuadro: Cuerpos, mar y arena en simbiosis perfecta.

En conjunto, el artista Akseli Gallen-Kallela construye una original y novedosa  fantasía sensual y erótica en tiempos modernos, justo a principios del siglo XX. El tema central son las mujeres playeras que disfrutan la soledad, la intimidad y el placer de su baño marino. Las cinco mujeres lucen como verdaderas ninfas de océano, en virtud de su fina desnudez y los extraordinarios colores violetas. En una perspectiva más fantástica y mágica, la presencia de las mujeres en el mar parece una visión onírica, erótica y hasta mitologica por el nombre del cuadro.  

      En suma, “Oceanides” de Akseli Gallen-Kallela es una exquisita obra que seduce la mirada de los espectadores con sus dulces y vivos colores y las sugerentes turgencias femeninas que despiertan el deseo masculino. Esta pintura circula en el sitio de Linkedin. He aquí la conexión para disfrutar de esta mágica escena de mujeres y mar:

https://www.linkedin.com/feed/update/urn:li:activity:6580137329355182080/?commentUrn=urn%3Ali%3Acomment%3A(activity%3A6580137329355182080%2C6583558752908124160)

    Akseli Gallen-Kallela (1865-1931) es un artesano, ilustrador y pintor nativo de Finlandia. Es famoso por sus ilustraciones del Kalevalala, el poema epico nacional de su patria. Sus orientaciones en arte son el Romanticismo, el Simbolismo y el Nacionalismo. Es autor de los cuadros "Vieja y gato", "Puesta de sol", "La forja del Sampo", "Simposio" y "El fraticida", entre otros ("Akseli").

Obras citadas 

"Akseli Gallen-Kallela." Wikipedia. La enciclopedia libre. 16 

        septiembre 2018. Fundacion Wikimedia, Inc. 16 octubre 
        
       2019. <https://es.wikipedia.org/wiki/Akseli_Gallen-Kallela>.