CINE NEGRO EN EL FILME PARAGUAYO "SIETE CAJAS": CRIMEN, JUVENTUD Y TECNOLOGIA

CINE NEGRO EN EL FILME PARAGUAYO SIETE CAJAS: CRIMEN, JUVENTUD Y TECNOLOGÍA

ÓSCAR ROBLES

         Siete cajas (Paraguay, 2012) aborda la vida de los mercados en la capital paraguaya, donde ocurren asuntos propios de un thriller, narrados con mucha acción y abundantes peripecias que retratan el crimen, las drogas, la juventud, la tecnología y el multiculturalismo propio de dicho país sudamericano, durante el siglo XXI. Sus directores son los paraguayos Tana Schémbori y Juan Carlos Maneglia, quienes utilizan una clásica narrativa realista al estilo de Hollywood con la estructura lineal a base de situación inicial, ruptura y vuelta al orden. Asimismo, el filme combina el duro crimen y los sueños románticos de juventud con una mirada tierna y violenta.

Según la trama, el carretillero Nelson (Víctor Sosa) deja siete misteriosas cajas de madera en custodia al jovencito Víctor (Celso Franco) en el populoso Mercado 4 de Asunción, Paraguay, durante un tiempo indefinido, a cambio de una paga de cien dólares y la entrega de sólo la mitad del único billete. El cómplice de Nelson, el carnicero Darío (Paletita Closs), le reclama a Nelson que haya dejado esas cajas. Por orden de Darío, Gus (Roberto Cardozo) busca las cajas. Entonces, Liz (Lali González) ayuda a Víctor a ocultar las cajas y, como consecuencia, el jovencito le da la mitad de su mitad a dicha mujer. La policía intenta abrir las cajas, pero Víctor logra que los agentes desistan de hacer esto. Varias veces, Víctor se imagina dentro del televisor besando a una hermosa mujer. Las cajas tienen un valor de doscientos cincuenta mil dólares. Más tarde, Víctor descubre las partes de un cuerpo en las cajas y huye asustado de una bodega hacia el mercado. Por su parte, el negociante mafioso Luis (Nico García) le reclama a Darío por el hecho siniestro del cadáver contenido en las cajas. Una peligrosa banda de criminales contratada por Gus persigue a Víctor para recuperar las cajas, el jovencito se sube a la caja de una camioneta y los criminales le disparan con arma de fuego. Entonces, aparece Tano (Rodríguez Junior) y ayuda a Liz y a Víctor a ocultar las siete cajas en una tienda del mercado. Mientras tanto, Tamara (Nelly Dávalos), la hermana de Víctor, y Jim (Johnny Kim) siguen de cerca a Víctor en una patrulla. Liz y Víctor llevan las cajas a la casa de un comerciante y mafioso árabe, donde Luis y Darío precisamente hablan con este jefe criminal y se reparten una cuantiosa suma por la venta de droga. Hacia el final, la banda de maleantes cerca a Víctor y a Liz en la calle, la policía atrapa a los maleantes, el narcotraficante árabe asesina a Luis, se queda con una bolsa de droga y huye en una lancha. En tanto, un policía mata a Gus de un disparo. Finalmente, se celebran los funerales de un agente de la policía y de Darío; Víctor ve las escenas de los hechos violentos en que fue protagonista, los cuales fueron grabados con el celular de Jim, justo en el televisor del cuarto de un hospital donde se recupera de las lesiones sufridas durante el ataque de la banda; y el jovencito sonríe frente al televisor, pues se vuelve famoso, aparece en la televisión. Desafortunadamente, el protagonista no comparte ese espacio electrónico con la mujer de sus sueños.  

         Como se ve, es una película de mucha acción y suspenso, bien dirigida y fotografiada. Las peripecias son abundantes, propias de un thriller y la variada música de fondo marca el ritmo de las acciones y las emociones dominantes. Esencialmente, el dramatismo de la trama culmina con un final feliz, un tanto “agridulce” e irónico, puesto que Víctor cumple su sueño de ser famoso, pero esta fama le cuesta sufrir lesiones graves, el amor soñado nunca aparece en el plano de la realidad cotidiana y no recupera la otra mitad del billete de cien dólares como pago por su complicado trabajo. Sin embargo, la resolución de la trama expone el castigo a los criminales, un asunto propio del cine de Hollywood.

Los tópicos de la película son la juventud inmersa en la pobreza, el crimen y la nueva tecnología digital, dentro de la gran urbe sudamericana, en tiempos de la globalización de la economía. En este contexto, hay corrupción policiaca, comercio ilegal de estupefacientes, asesinato, drogas y venta de información. Además, hay muestras de multiculturalismo, pues de desplaza el uso dominante del idioma oficial, para incluir diálogos diversos en español, guaraní y coreano. Incluso, algunos personajes son bilingües. En especial, el sueño romántico de Víctor aporta gran significado a la historia, ya que aparece este “sueño televisivo” justo al final de la trama. El sueño consiste en que se imagina varias veces besando a una bella actriz que aparece en la televisión. Por otro lado, el espacio físico se concentra en escenarios realistas, tales como las calles de Asunción, un mercado popular, un restaurante, la cárcel y el hospital de dicha ciudad.

         La película es cine negro o thriller, con mucha acción, alta tensión dramática, suspenso, intriga y buenas actuaciones. Entre las acciones, aparece repetidas veces Víctor corriendo con una carretilla cargada con las siete cajas y la cámara lo capta en constantes acercamientos. Son frecuentes los acercamientos extremos o close-ups para enfatizar las emociones de los personajes: Alegría, angustia, tristeza; y los shots-reverse-shots para marcar los diálogos frecuentes con parlamentos breves; los close-ups de abajo hacia arriba en las corridas de Víctor con la carretilla en el mercado y en las calles; los planos de dos y tres para denotar intimismo, psicología o gestos de rostros. Especialmente, destaca el  pan-shot en la calle al final de la trama, donde hay enfrentamientos con violencia y asesinatos en la noche entre criminales y policías  y, entonces, las cuerdas de guitarra y violines subrayan el dramatismo de los hechos de sangre.

         La música es esencial para marcar las diferentes emociones y el suspenso. Por ejemplo, los instrumentos de cuerda y una flauta con tonos graves denotan suspenso; cuerdas suaves de guitarra, melancolía; música de percusiones, velocidad en la acción; el sintetizador, mucha tensión emocional; percusiones y cuerdas, misterio y tensión o acción y tensión; cuerdas y piano, tensión y reflexión; flautas y cuerdas con tonos suaves, tristeza justo después del incendio en el mercado; cuerdas con tonos graves, misterio.

         Maneglia (1966―) y Schémbori (1970―) pertenecen a una nueva generación de cineastas en Paraguay y han dirigido tres películas en codirección: La Chuchi, tv series (2006),  Candida (2004) y Horno ardiente, corto (2002) (“Juan”). En su filme Siete cajas, ambos directores exploran las nuevas realidades urbanas bajo el capitalismo global del siglo XXI y exponen una estética global, poniendo a un joven como protagonista.  Esta película representa la proyección de una política industrial del cine nacional de su país, con una gran difusión internacional y un relativo reconocimiento en diversos festivales y competencias internacionales.

         El filme Siete cajas recibió alrededor de veinte premios y nominaciones nacionales e internacionales entre 2011 y 2013. Entre estas competiciones cinematográficas, se cuentan los Premios Goya y los festivales de la Asociación de Críticos de Cine de Argentina, la India, Miami y Seattle (Estados Unidos), Lima (Perú) y Toronto (Canadá) (“Siete cajas”). En total, esta película se hizo acreedora a cinco premios y nueve nominaciones. Entre las distinciones, sobresalen las siguientes: 1) Ganó el Premio “Cine en construcción” en el Festival Internacional de Cine de San Sebastián, España, en 2011; 2) el Premio de la Audiencia en el Festival de Miami; 3) mención especial del jurado en la categoría de New Voices, New Visions del Festival de Palm Springs; 4) mejor guión en el Skip City Internacional D-Cinema Festival (“Siete cajas”).

         El guión fue escrito por Juan Carlos Maneglia, Tana Schémbori y Tito Chamorro. El prestigioso sitio de cine www.filmaffinity.com le concede una calificación de 6.9 de un total de diez puntos posibles. Por su parte, el sitio www.imdb.com le otorga 7.2 puntos de diez posibles.

         En conclusión, Siete cajas de Juan Carlos Maneglia y Tanie Schémbori representa la emergencia de un nuevo cine sudamericano y paraguayo, con temas nacionales del siglo XXI y una animada estructura de thriller con mucha acción y suspenso y una mirada amable sobre el destino final de los jóvenes paraguayos de la clase trabajadora, los cuales pueden escapar a la atroz y cruda violencia del crimen.

Obras citadas

“Juan Carlos Maneglia.” Wikipedia. La enciclopedia libre.15 abril 2015. Fundación Wikimedia,

Inc. 27 septiembre 2014. <http://es.wikipedia.org/wiki/Juan_Carlos_Maneglia>.

“Siete cajas.” Wikipedia. La enciclopedia libre. 21 mayo 2015. Fundación Wikimedia, Inc. 2

abril 2015. <http://es.wikpedia.org/wiki/7_cajas>.

"BIRDMAN" DE IGNACIO GONZALEZ INARRITU: TRES OSCARES "GRANDES" PARA UN GRANDE

BIRDMAN DE IGNACIO GONZÁLEZ IÑÁRRITU:

TRES ÓSCARES GRANDES PARA UN GRANDE

ÓSCAR ROBLES

         Los tres premios Óscar concedidos al director mexicano Ignacio González Iñárritu (1963―) en 2015, representan simbólicamente el premio a una exitosa carrera cinematográfica que ha generado cinco grandes películas de largometraje muy originales, muy intensas por sus dramas humanos y muy artísticas por su poderosa narrativa. En estos cinco filmes, el cineasta plantea el importante papel del destino y las pasiones extremas en la vida contemporánea y despliega una narrativa compleja, con múltiples cambios de tiempo y espacio, impecables y significativas imágenes visuales y la incorporación de asuntos propios de cuatro continentes en tiempos de globalización económica y de una difícil y accidentada vida en las urbes del siglo XXI. Estos tres grandes Óscares fueron otorgados por la Academia de Hollywood al filme Birdman or (the Unexpectd Virtue of Ignorance) (Estados Unidos, 2014).

 De Amores perros (México, 2000) a Birdman, este director mexicano construye una narrativa cinematográfica muy personal, con gran dirección artística, consistentes y complicados guiones y una excelente fotografía. En las tres primeras películas, los guiones son hechura original del destacado escritor y guionista mexicano Guillermo Arriaga y la fotografía estuvo a cargo del también mexicano Rodrigo Prieto. Estas tres películas son conocidas como “La trilogía de la muerte” (“Babel”). A continuación, se hace un breve y somero análisis de las tres primeras películas de largometraje de Ignacio González Iñárritu.

1. Amores perros: La violencia y la traición en la Ciudad de México

Amores perros narra tres historias de extrema pasión y violencia con una compleja narrativa basada en cambios de tiempo. En la trama, se intercalan los personajes principales de las tres historias como destinos que se cruzan al azar en la metropolitana Ciudad de México y están marcados por la ferocidad de sus relaciones, el desamor, la soledad, la traición y la tragedia. Ocurren tres eventos centrales o tres “amores perros” que son “espejo” de los crueles enfrentamientos de perros en lugares secretos e ilegales donde se cruzan apuestas: 1) Un lamentable accidente automovilístico de la actriz Valeria (Goya Toledo) marca la distancia en su relación adúltera con su amante el empresario Daniel (Álvaro Guerrero) y la destrucción parcial del apartamento de ella; 2) Octavio (Gael García Bernal) y Ramiro (Marco Pérez) son hermanos, participan en las peleas ilegales de perros en su barrio y se disputan a la misma mujer, Susana (Vanesa Bauche), la novia embarazada de uno de ellos; 3) dos medio hermanos, Gustavo Garfias (Rodrigo Murray) y Luis Miranda Solares (Jorge Salinas), se ven envueltos en la desmedida ambición material y la disputa por poseer un negocio familiar, situación que es decidida inesperadamente por El Chivo (Emilio Echevarría), un solitario ex profesor universitario y ex guerrillero, quien estaba encargado de eliminar al “Abel” de la familia por instrucciones del “Caín” a cambio de una sustanciosa paga. Este filme puede admitir lecturas críticas enfocando las tres historias como una alegoría nacional y el análisis de la familia como estructura fundamental y núcleo en crisis de la nación mexicana, a la luz del siglo XXI y la globalización económica.

Este primer filme de González Iñárritu fue influido en parte por la brillante trilogía Three Colors (Francia-Polonia-Suiza, 1993-1994) del destacado director polaco-francés Krzysztof Kieslowski y por el singular filme Short Cuts (Estados Unidos, 1993) del brillante cineasta norteamericano Robert Altman. En especial, estas dos películas yuxtaponen historias, personajes y planos espaciotemporales, como un recurso narrativo que enfatiza el azar de la vida urbana y el cruce ocasional o central de los destinos humanos y sus tramas se proyectan como una expresión de la dramática vida de las urbes masificadas bajo el capitalismo global. Así pues, este recurso narrativo de ambos filmes occidentales marca esta primera película de González Iñárritu. Las tres historias de Amores perros se ubican en la Ciudad de México, una de las tres grandes metrópolis del mundo. El inteligente director y el diestro guionista entretejen historias que se cruzan, con una meticulosa paciencia de armadores de rompecabezas y, en consecuencia, fortalecen el poder artístico del cine para captar la vida humana, bajo las urbes capitalistas, justo en los albores del siglo XXI, un mundo altamente masificado y caracterizado por las pasiones y la deshumanización. De esta manera, el filme del poderoso cineasta mexicano maneja la idea de que los destinos humanos se entrelazan y determinan la vida, el amor o las pasiones de las personas. Entonces, la potente mirada omnisciente del artista o director de cine puede abordar y enfocar con intensidad y dramatismo los diversos ángulos de los conflictos de los personajes contemporáneos del siglo XXI. En suma, este filme es una obra maestra técnicamente y refleja una historia altamente nacional y alegórica del México actual.

Amores perros representó a México en la categoría de Mejor Película Extranjera por la Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas de Hollywood, tras veinticinco años de ausencia por parte de México. Actas de Marusia (México, 1975) del chileno Miguel Littin fue la última cinta que había sido nominada en la misma categoría.

2. 21 Grams: Los personajes sufrientes y el karma

Tres años después, el cineasta mexicano se va a los Estados Unidos y crea otra poderosa película, la cual disminuye el poder de las acciones narrativas y se centra más en la caracterización de los personajes. Esencialmente, este filme muestra una alta jerarquía artística en la construcción de intensas y concentradas psicologías y personajes trascendentes marcados por la aflicción y el karma. En este sentido, es una historia que bordea el clásico realismo narrativo de Hollywood, proyectando poderosas emociones reflejadas en diálogos y en los gestos del cuerpo humano. Con esta fuerza más descriptiva que narrativa, 21 Grams (Estados Unidos, 2003) puede clasificarse como un drama con tema de thriller y maneja de manera similar el entrecruzamiento de destinos humanos, construidos hábilmente por el binomio González Iñárritu-Arriaga, pero ubicados dentro del contexto cultural y social de los Estados Unidos.

Apartándose un tanto de la clásica narrativa de acción y peripecias, este filme es más experimental, puesto que capta más a los personajes en su honda psicología y con sus sufrientes gestos en rostro y cuerpo, mediante grandes acercamientos visuales o close-ups. Por ello, el tiempo narrativo del filme luce más lento y sus secuencias concentran constantemente el intimismo de los tres protagonistas, muchas veces escenificado en espacios cerrados. Estos personajes centrales de 21 Grams son la madre Cristina Peck (Naomi Watts), el enfermizo matemático Paul Rivers (Sean Penn) y el ex convicto convertido al Cristianismo Jack Jordan (Benicio de Toro). En particular, el título de la película hace referencia directa a la pérdida de peso del ser humano por la partida del alma del cuerpo, según los experimentos científicos ejecutados por el médico Duncan Mc Dugall (“21 gramos”). El protagonismo de los personajes como psicologías profundas se refleja precisamente en que esta película recibió numerosas nominaciones a los premios como mejores actores principales y de reparto. Por ejemplo, los tres grandes actores estadounidenses fueron nominados en sus respectivas categorías en los premios de la Academia de Hollywood, del Sindicato de Actores Norteamericanos, de los BAFTA y otras numerosas distinciones y, en especial, ganaron los tres premios actorales en el Festival Internacional de Cine de Venecia.

3. Babel: Las dramáticas historias cruzadas en tres continentes

Babel (Estados Unidos, 2006) fue clasificado como un drama con suspenso, tiene cuatro historias centrales, su duración es de ciento cuarenta y tres minutos y, en general, es una película muy ambiciosa, puesto que explora historias internacionales, bajo una poderosa perspectiva omnisciente. Esencialmente, la película se abre al mundo capitalista para captar los dramas humanos y la geografía global del siglo XXI, bajo el capitalismo, con una poderosa narrativa multiespacial y una visión de mundo basada en la idea central de que varios destinos humanos concurren de manera trágica y azarosa. El cineasta mexicano utiliza cuatro historias y cuatro planos espaciotemporales situados en tres continentes diferentes: América (Estados y México), Asia (Japón) y África (Marruecos).

En general, los personajes centrales de este segundo filme se ven envueltos en historias cruzadas, como en Amores perros y 21 Grams, pero en tres continentes (América, África y Asia), cuatro países (Estados Unidos, México, Japón y Marruecos) y tres ciudades diferentes (Los Ángeles, Tijuana y Tokio). Estos personajes participan de conflictos diversos, como dramáticas historias cruzadas, determinadas por el destino, lo cual permite ver también el cruce y el choque de culturas, bajo el mundo global: El uso de armas por parte de jovencitos en el medio rural marroquí, un accidentado y trágico viaje turístico al continente africano, la soledad y la atrevida sexualidad de una joven japonesa sordomuda en la gran metrópoli asiática y los apuros que vive una empleada doméstica mexicana en la frontera mexicoamericana cuando acude con dos niños estadounidenses bajo su custodia a una fiesta familiar en una ciudad mexicana. Estos personajes y sus conflictos particulares son los siguientes: La norteamericana Susan (Cate Blanchet) es herida de un balazo en Marruecos durante su viaje turístico por un disparo lejano de rifle hecho por el jovencito marroquí Yussef (Boubker Ait El Caid), su marido Richard (Brad Pitt) enfrenta problemas para atenderla y finalmente regresan a los Estados Unidos; Yussef porta un rifle que fue regalado anteriormente por el cazador japonés Yasujiro (Koji Yakusho) y hiere accidentalmente a Susan; la niñera Amelia (Adriana Barraza) y Santiago (Gael García Bernal) van a una fiesta familiar en México con los niños Debbie (Elle Faning) y Mike (Nathan Gamble), los dos hijos del matrimonio Susan-Richard, y viven una tortuosa aventura en el desierto al regresar a los Estados Unidos, lo cual le cuesta el arresto y la deportación a la mexicana; Chieko Wataya (Rinko Kikuchi) es huérfana de madre, sufre de soledad por la falta de su madre en la gran metrópoli japonesa y su padre Yasujiro casi no se preocupa por ella.

González Iñárritu recibió el Premio al Mejor Director en el Festival de Cannes y Babel se llevó la distinción como Mejor Película de Drama en los Globos de Oro de 2007. Asimismo, fue nominada por la Academia de Hollywood en 2006 en siete categorías diferentes, entre las cuales se contaban las de Mejor Director, Mejor Película y Mejor Guión Original, pero no ganó en ninguna de estas tres importantes distinciones. Nueve años después, en la premiación de febrero de 2015, el cineasta mexicano ganaría esos tres Óscares grandes con Birdman como una producción cinematográfica realizada en 2014.

Después de “La trilogía de la muerte”, Biutiful (España-México, 2010) inaugura un nuevo ciclo de películas para González Iñárritu, sin la colaboración del guionista Guillermo Arriaga y con el trabajo en la construcción de las historias con Nicolás Giacobone y Armando Bó. En la trama, Uxbal (Javier Bardem) vive en Barcelona, padece cáncer e intenta vivir de mejor manera el resto de su vida. Este filme representó a México en la categoría de Mejor Película Extranjera en la ceremonia oficial de los Óscares en 2010.

3. Los tres Óscares grandes por Birdman: A la altura de los grandes directores en Hollywood

Estos cuatro filmes anteriores son grandes obras fílmicas de González Iñárritu. En especial, Birdman representa la cumbre de catorce intensos años de dirección cinematográfica (2000-2014), filmando largometrajes en el cine industrial, nacional e internacional. Esta producción cinematográfica reciente obtiene tres grandes Óscares para un grande: Por Mejor Director, Mejor Película y Mejor Guión Original. En particular, el guión fue escrito por el propio director mexicano, Nicolás Giacobone, Alexander Dinelaris Jr y Armando Bó. Estas tres distinciones tan trascendentes otorgadas por la mejor cinematografía del planeta lo ponen a la altura del alemán Billy Wilder, quien se llevó los mismos galardones por The Apartment (1960); el norteamericano Francis Ford Coppola por The Godfather, Part II (1974); James Brooks por Terms of Endearment (1983); el australiano Peter Jackson por Lord of the Rings: The Return of the King (2003); y los hermanos Joel y Ethan Coen, quienes ganaron esos mismos premios con No Country for Old Men (2007), de acuerdo al artículo “Ignacio González Iñárritu y sus emblemáticos 3 Premios Oscar” de Julio Vélez incluido en el sitio www.cinepremiere.com.mx.

4. Three Amigos: Los tres grandes directores mexicanos en Hollywood en el siglo XXI

Con estos tres premios grandes a Birdman, González Iñárritu consolida la fuerza de los cineastas mexicanos en Hollywood, pues es el segundo año consecutivo que un director nativo de México gana el Óscar al Mejor Director y tiene gran éxito económico y artístico con un filme de tema y producción estadounidenses. El primer ganador fue Alfonso Cuarón (1961―) con su cinta Gravity (2013), una historia ubicada en el espacio sideral con astronautas como personajes y tomas y encuadres novedosos. Cuarón ha dirigido Little Princess (Estados Unidos, 1995), Great Expectations (Estados Unidos, 1998), Y tu mamá también (México, 2001) y Children of Men (Estados Unidos, 2008), entre otras películas.

Por la minuciosa estructura narrativa, la belleza visual de su fotografía y la gran dirección de actores, las citadas cinco películas de largometraje de González Iñárritu lucen como obras de gran trascendencia artística en el cine mexicano, estadounidense y/u occidental. El mexicano es uno de los más sólidos cineastas del siglo XXI en el mundo. Integra el famoso grupo internacional de “Three Amigos” con el propio Cuarón y el talentoso directo jalisciense Guillermo del Toro, desde hace más de diez años. Los tres cineastas fueron entrevistados en la década pasada en el prestigioso programa cultural Person to Person conducido por el estadounidense Charlie Rose de la famosa cadena norteamericana Public Broadcasting Service (PBS). En particular, Del Toro ha dirigido diversos filmes de gran factura artística, entre los que sobresalen El Espinazo del Diablo (España-México, 2001)  Hellboy (Alemania-Estados Unidos, 2004), El Laberinto del Fauno (España-México, 2006) y Hellboy 2: The Golden Army (2008), entre otras películas.

Los tres directores mexicanos comenzaron en México su gran carrera cinematográfica con tres largometrajes destacados: Amores perros, Sólo con tu pareja (1991) de Cuarón y Cronos (1993) de Del Toro. Después, han desarrollado una gran trayectoria profesional en los Estados Unidos, construyendo historias norteamericanas e internacionales en lengua inglesa. En febrero de 2015, González Iñárritu enorgullece a México con sus premios a Birdman y fortalece la presencia de los directores mexicanos en Hollywood durante el siglo XXI. Otro destacado cineasta mexicano en Hollywood ha sido Luis Mandoki con White Palace (Estados Unidos, 1990), When a Man Loves a Woman (Estados Unidos, 1994) y  Message in a Bottle (Estados Unidos, 1999), entre otras cintas. Ojalá que Guillermo del Toro y el propio Mandoki tengan un similar éxito que Cuarón y González Iñárritu en un futuro cercano.

Birdman  es una historia sobre un veterano actor cine de Hollywood, Riggan Thomson (Michael Keaton), quien intenta montar en el teatro un cuento de Raymond Carver, para ganar un auténtico reconocimiento a carrera como actor. Con sus tres grandes Óscares (Película, Director y Guión), el cineasta mexicano triunfa en la mejor cinematografía del mundo, abriendo más espacios en el mundo global del siglo XXI a los mexicanos y demostrando que un director mexicano puede contar historias extranjeras en lengua extranjera y con actores y productores extranjeros.

         En conclusión, el soberbio triunfo de González Iñárritu con Birdman marca un hito en la historia del cine norteamericano: Que dos directores mexicanos ganen el Premio al Mejor Director en dos años consecutivos, 2013 y 2014. Muestra ante todo que un cineasta mexicano puede ser el mejor en el extranjero y tener éxito artístico y económico.

Obras citadas

“Babel.” Wikipedia. La enciclopedia libre. 31 mayo 2015. Fundación Wikimedia, Inc. 16 abril

2015. <www.es.wikpedia.org/wiki/Babel_%28pelicula%29>.

“21 gramos.” Wikipedia. La enciclopedia libre. 30 mayo 2015. Fundación Wikimedia, Inc. 26

abril 2015. <www.es.wikipedia.org/wiki/21_gramos>.

¿PARA QUE SIRVE LA EDUCACION? (BREVES APUNTES PARA REVALORAR LOS ESTUDIOS ACADEMICOS?)

¿PARA QUE SIRVE LA EDUCACIÓN?

(BREVES APUNTES PARA REVALORAR LOS ESTUDIOS ACADÉMICOS)

ÓSCAR ROBLES

         En el siglo XXI, los porcentajes de ciudadanos mexicanos con educación y grados terminales son muy bajos. La pobreza, el desempleo, el materialismo, el consumismo, los vicios, la violencia, el crimen y las costumbres antisociales, han desviado a millones de mexicanos del luminoso camino educativo. Es necesario estudiar desde la primaria a la universidad (licenciatura y posgrado). Por ello, hay que recordar brevemente por qué es importante estudiar.

1. Se puede tener un empleo mejor pagado y con mejores prestaciones sociales.

2. Da conocimientos teóricos y prácticos para vivir una mejor vida personal y desempeñarse mejor como ciudadanos en la vida social. Estos conocimientos pueden informar a las personas sobre una alimentación sana; fomentar la práctica cotidiana de los deportes; tener efectivas y equilibradas finanzas familiares; llevar a cabo tareas diarias de protección al medio ambiente; cuidar la infraestructura de una comunidad, pues cuesta mucho dinero del presupuestos de los gobiernos; conocer el contexto histórico, nacional y mundial para entender los procesos de las economías y los gobiernos; saber la ubicación geográfica de tu ciudad, estado y país, para trabajar de acuerdo a las condiciones ambientales; aprender conocimientos básicos de una actividad tecnológica (mecánica automotriz, técnico en electrónica o electricidad); formar una sensibilidad artística para apreciar la belleza o crear objetos de arte (arquitectura, cine, danza, escultura, literatura, música, pintura); y otros aspectos más.

3. Forma una auténtica conciencia civil y social para desarrollar una mejor vida comunitaria en una colonia, ciudad, municipio, estado y nación, y para respetar a los gobiernos, las leyes, las instituciones y la cultura nacional. Los gobiernos proporcionan servicios, infraestructura y seguridad; administran la riqueza de una comunidad; y protegen el patrimonio cultural de un país.

4. Fomenta verdaderos valores morales para contar con una solida ética personal y civil.

5. Enriquece la identidad nacional con el conocimiento de su propia cultura regional y nacional y, por tanto, refuerza el sentido de pertenencia a una nación.

6. Socializa a las personas para entender y respetar la diversidad y la pluralidad de grupos de su región o país por clase social, discapacidad, etnia, raza, sexo-género y generación.

Todas estas formaciones civiles en los salones de clase permiten la generación de mejores seres humanos y mejores ciudadanos en una nación moderna. En todo proceso modernizador y todo proceso de progreso económico, las naciones necesitan educar a la mayoría de su población y lograr que haya más universitarios graduados. Más y mejores ciudadanos educados construyen mejor a la nación.

Especialmente, las familias, las escuelas, las iglesias y los medios de comunicación masiva deben contribuir a promover estos procesos educativos, de manera más amplia y constante.

Mejores empleos en las familias pueden contribuir a producir más y mejores estudiantes. Sin embargo, es necesario promover diversas acciones concretas en la sociedad: Conceder becas a los mejores estudiantes; reinstaurar la telesecundaria e iniciar la telepreparatoria; fundar más escuelas abiertas en las comunidades y, en especial, en los centros comunitarios; aprovechar los servicios de Internet para estudiar secundaria, preparatoria o una carrera universitaria; y, sobre todo, las instituciones de civilización deben enviar numerosos mensajes y programas prácticos para fomentar la educación: Las familias, los centros comunitarios, las iglesias, las instituciones culturales, los centros de trabajo, los medios de comunicación masiva.

México debe dejar atrás las dolorosas y largas crisis sociales recientes, para reconfigurar a una mejor nación para que llegue a ser una de las diez mejores economías del mundo, cuente con más riqueza material y más bienestar social.

El problema central de México es contar con una sociedad deteriorada, inmersa en una crisis nacional y espiritual. Entonces, hay que reformarla y la educación es el mejor camino.

"IMAGENES" DE ENRIQUE VENEGAS: POETICAS PINTURAS DE MUSICOS, JUEGOS INFANTILES Y OTROS TEMAS

EXPOSICION "FALSAS NECESIDADES" DE NANCY GABRIEL: PINTURA REFLEXIVA Y CRITICA SOBRE LA CULTURA CAPITALISTA

EXPOSICIÓN "FALSAS NECESIDADES" DE NANCY GABRIEL: PINTURA REFLEXIVA Y CRÍTICA DE LA CULTURA CAPITALISTA

ÓSCAR ROBLES

         Originales y sarcásticos anuncios publicitarios con sentido crítico y reflexivo y un personal sello artístico de gran belleza, colorido y preciso dibujo. Es una manera de definir brevemente las pinturas que fueron expuestas por la artista coahuilense Nancy Gabriel en el Museo Casa Chihuahua Siglo XIX, bajo el título general de "Falsas necesidades", durante el mes de enero de 2015. 
     La muestra se compone de nueve pinturas al óleo sobre tela, de noventa centímetros por un metro y treinta centímetros, hechas con perfecta factura artística, preciso dibujo y colores variados y muy llamativos. Su tema central es el consumismo comercial pos-capitalista, propio del siglo XXI; sus “armas”, el perfecto trazo de los productos comerciales con una mirada punzante, los colores intensos y un estilo cercano al Arte Pop de los Estados Unidos. En general, el hondo sentido crítico de la joven pintora produce imágenes bellas y armónicas, pero también ideas que cuestionan el materialismo de la sociedad del siglo XXI.

         Las pinturas de Gabriel sacuden al espectador por su carácter altamente estético y subversivo. Sus colores intensos llaman poderosamente la atención del espectador como si fueran verdaderos anuncios comerciales. Su arte envuelve a los objetos comerciales, bajo una visión humanística, intelectual y artística. Ella se asume, pues, como pintora y como intelectual: Produce imágenes visuales y conceptos e ideas en sus nueve pinturas. En general, las imágenes lucen como perfectas reproducciones de anuncios originales, pero con un sesgo crítico. Así, estas obras incluyen productos comerciales, tales como medicamentos en tabletas y píldoras, alimentos preparados y empaquetados, bebidas alcohólicas y productos electrónicos. Casi todas las pinturas muestran en un primerísimo plano, de extremo acercamiento, todos los productos comerciales y, en general, todas las imágenes presentes en los cuadros. La novedosa, analítica e interesante exposición es acompañada por un cartel de Eduardo Heredia, quien explica algunas ideas del capitalismo y el consumismo en relación al poderoso arte de Gabriel. He aquí una breve descripción de los nueve cuadros expuestos en el Museo Casa Chihuahua Siglo XIX.

I EXAMEN DE LOS NUEVE CUADROS

1. CLAVADO 

    Dentro de una implícita caja de cristal, un montón de bolas multicolores de plástico ocultan parcialmente cinco ratoneras hechas de madera y metal, las cuales tienen inscritas curiosamente las marcas o logotipos de grandes consorcios comerciales del siglo XXI. Entre estos logotipos, se incluyen los de las poderosas compañías estadounidenses Sony (Woodstream), Apple, Microsoftword y Google. Estas bolas forman parte de una máquina tragamonedas propia de los negocios de comida rápida, con la cual los niños y los adultos juegan, poniendo monedas para atrapar un juguete o muñeco mezclado entre numerosas bolas. En el cuadro, relucen los colores vivos de las bolas: Azul, verde, rosa, violeta, naranja, rojo, amarillo, vistas desde un acercamiento extremo. La yuxtaposición del juego y las marcas comerciales permite que aflore una mirada crítica de la joven artista. En su versión alegórica y altamente concentrada, los poderosos consorcios son “trampas de ratones” para la sociedad y los ciudadanos caen atrapados. Y pueden hasta matar su propia alma, presas del materialismo y el consumismo.

2. DEPENDIENDO 

    Un “colchón” de bombones rosas y blancos aparece visto desde una perspectiva de extremo acercamiento, con su perfecta armonía de colores suaves, armonía alba-rosada que es alterada por siete hilos grises de donde penden sendos artículos de consumo que causan adicciones: Un cigarro con cenizas; y un vaso de cristal con hielos y cinco pastillas medicinales: Dos amarillas, una rosada, una morada y una gris con tiernos dibujos esculpidos, tales como un insecto o libélula, una carita sonriente, las letras “AX” o simples ranuritas propias de las medicinas en sólidas pastillas o tabletas. En sí, el título encierra un doble sentido: “Depender” y “pender”, procesos en que los humanos se subordinan y pueden caer en adicciones. El de las pastillas es un mundo objetual que encierra una crítica al consumo adictivo, con perfectas imágenes, hermoso colorido, como un verdadero anuncio publicitario con una visión cáustica del mundo.

3. TAN FÁCIL DE ARMAR Y TAN DIFÍCIL DE COMBINAR

   Un cubo de Kubrik descansa sobre una pulida, límpida y reflejante mesa plateada, desde una perspectiva de extremo acercamiento. Al fondo, hay una pared rosa oscuro con cerca de veintisiete antifaces del mismo color. Los minúsculos y numerosos antifaces representan simbólicamente los rostros de los empresarios y comerciantes. Las caras del cubo muestran siglas de probables empresas y en ninguna cara de las tres visibles se combinan colores similares que tengan las mismas siglas de las empresas comerciales: Verde, amarillo, naranja, azul, colores intensos como las de los anuncios. La sutil crítica de la intelectual pintora se centra en la idea de que no se pueden combinar los intereses de todos los grandes consorcios, pero sí funcionan como negocios independientes con sus particulares políticas comerciales que benefician y dañan a los consumidores. Los negocios son fáciles de “armar”, pero difíciles de “combinar”, sería un posible mensaje final de la autora.

4. MONOTONÍA DISPERSA

     Es un cuadro hermoso, profundo, humano y de perfecta factura artística sobre el mundo objetual y la tecnología electrónica del capitalismo del siglo XXI. En especial, toca el tema del amor tradicional y del sexo pornográfico. Una pantalla de una computadora muestra una contrastante escena de Internet sobre una pared  de intenso color rojo, intensa, un poco oscurecida en sus contornos, con múltiples figuritas que enseñan posturas sexuales de parejas heterosexuales. Enfrente de estas figuras humanas, hay una mesa roja, con una maceta de barro que tiene una planta con una flor blanca y un brillante florero de cristal con diferentes flores amarillas y rosas, todos los objetos vistos desde el extremo acercamiento. Arriba se observan las barras grises claras y oscuras de una computadora que registra el preciso sitio web que transmite las imágenes citadas, las sexuales y las florales. Justo al centro de la barra, se lee “PORNOHUB.COM”. Abajo, se ve una lista de sitios: “YouTube”, “Preferidos”, “Youporn”, “Facebook”. En la parte izquierda superior de la computadora, aparece el sitio “Pornonubiles.com” y otros signos propios de Internet. Poco más abajo, se observa una barra de color intensamente negro con los conocidos signos de manipulación de Internet “play”, “reward”, “flash”, los cuales están representados con flechas y otros signos propios de la computación.

Las flores al frente, en imagen más grande, representan la postura de la artista, autora y mujer: El romanticismo es mejor frente al sexo puramente físico; y las relaciones amorosas tradicionales son más significativas frente a la pornografía tecnológica, de acuerdo a la proyección, la posición y el tamaño de las imágenes visuales del amor y del sexo. La yuxtaposición de posturas culturales en torno al amor y al sexo señala en sí la gran fuerza crítica de la pintora: Las tiernas y coloridas flores aparecen en primer plano y las escenas sexuales son muy pequeñas.

5. EL FINAL FELIZ 

     En primer y único plano de acercamiento, aparece un inodoro blanco, visto desde arriba como en una película, dentro de un baño que tiene una pared de azulejos blancos y piso de azulejos grandes, blancos y negros. Justo dentro de la taza sin tapa, se ve una botella de Coca Cola, una cajetilla de cigarros marca Marlboro y cuatro flores rosadas grandes y una graciosa florecilla de pétalos delgados y profusamente amarillos.

Es un cuadro muy complejo en ideas e interpretaciones. La naturaleza y los objetos de consumo adictivo están juntos y proyectan una curiosa combinación: Ambos son desechos. En otro nivel de interpretación, la taza representa un espacio simbólico de basura y suciedad, donde se mezclan las flores y los desechos de los productos comerciales. El inodoro, el cual es la tecnología moderna, se apresta a engullir posiblemente a todos los objetos por igual. Es decir, los productos industriales y las flores son de igual categoría en esta sociedad capitalista: Desechables.

6. LA MÁS ALTA NECESIDAD

    Otra vez aparece el extremo acercamiento a los objetos de consumo de la época pos-capitalista. La visión de la artista luce como una cámara que registra de cerca el valor de los objetos de consumo comercial. Una botella de licor oscuro reposa sobre una mesa de madera o triplay café y se encuentra rodeada de siete vasos de cristal de diferentes tamaños con licores de color café oscuro y de un frasco pequeño. La botella negra representa en el contexto general de la exposición el peligro grande del alcohol como adicción o “falsa necesidad”, en conjunto con la excesiva cantidad de vasos. 
    El conjunto de las imágenes y de los colores es de una impactante belleza por la precisión del dibujo y el realismo de los objetos y la cristalina transparencia del vidrio, la cual contrasta con el negror de la botella. En suma, la hechura artística es de gran destreza y detalle y reluce como la fotografía de un anuncio comercial. En general, el cuadro es una crítica a la adicción número uno en el capitalismo del siglo XXI: El alcoholismo. El negror de la botella señala lo nocivo, lo tenebroso; la belleza del cristal, la tentación de la bebida; la cantidad de vasos, lo grande de esta “falsa necesidad”.

7. EN RÉGIMEN

    Perspectiva de extremo acercamiento: Un fondo aguamar tiene un papel amarillo claro, con dos rasgaduras que parecen tierra y agua, dentro de un mapa o mapamundi. Sobre el trozo más grande del papel, hay una pirámide naranja con cuatro niveles: Arriba, se observan un botecito de leche condensada, un frasco de chocolate cremoso marca Nutella y dos galletas rellenas de chocolate y crema. Después, aparecen en otro nivel dos tacos de tortilla de maíz con carnitas, un grupo de tortillas nachos con queso amarillo derretido, una bolsita con salchichas marca Pepirami y un rico guiso de huevos estrellados con tocino. En este segundo nivel, se ve otra rasgadura del papel amarillo citado, como una forma de alertar sobre la falla de esta pirámide de alimentos. Luego, en otro nivel, se alinean dos rojas bolas de las populares “chapeteadas” con dulce caramelizado, una botella de refresco de sabores marca Fanta, un refresco de manzanita, un plato de cartón con tres bolas de nieve y una banana pelada con cerezas y varias papas fritas. Finalmente, en la base más grande, abajo, se observan una rebanada de pizza de pepperoni, un vaso de sopa marca Maruchan, dos donas con crema de chocolate y de fresa y una sabrosa hamburguesa. En esta base de la pirámide, asoma un pliegue de papel amarillo ligeramente levantado, el cual deja ver tímidamente un grupo de rebanadas de pan integral, el cual es precisamente el alimento más recomendable para lograr la salud física de los consumidores capitalistas. Justo arriba de la pirámide, se leen las palabras “PIRÁMIDE NUTRIC/GARRA”, escritas con letras blancas y naranjas. Estas palabras se encuentran sobre el papel amarillo que sirve de fondo a toda la pirámide nutricional. El mensaje verbal es claro y contundente: Una dieta negativa y deficiente.

         El conjunto de alimentos sobre el papel amarillo muestra una clara crítica a la comida rápida, grasosa y no tan nutritiva, que se consume en el siglo XXI. Es una comida adictiva y engordadora. El fondo verde aguamarina y el papel amarillo simbolizan el mundo y parecen los océanos y los continentes de todo el planeta, respectivamente. Es decir, la comida rápida y grasosa domina la alimentación del mundo, es el mensaje implícito. En particular, los alimentos procesados están trazados y coloreados con una gran semejanza a los productos originales, como en el Arte Pop cuyo representante principal es el norteamericano Andy Wharhol. Las rasgaduras del papel amarillo y la frase “NUTRI/GARRA” representan las fracturas en el buen comer y el alto consumismo alimenticio tan dañino y adictivo, propio del siglo XXI.

8. Y ESTO, ¿CON QUÉ SE COME? 

    Otra vez los objetos están vistos desde una perspectiva de extremo acercamiento: Una mesa vista desde arriba, con mantel crema y bolitas de colores, muestra un plato blanco al centro con un “batido” de pigmentos de colores azul, amarillo, rojo y naranja, todo muy parecido a un licuado regular que sirve de desayuno. En ambos lados de este plato, se encuentran cuatro cubiertos (tenedor, cuchara, cuchillo y otro más), con mangos de madera pintada en azul, amarillo, rojo y café. A la izquierda del cuadro, se observa una toallita manchada con colores varios. Arriba, tres pinceles hermosos, bien trazados con el buen pulso del dibujo, los cuales cuentan con mangos azul, rojo y café y con cerdas doradas, blancas y negras. A la derecha de la pintura, se halla un frasco de pintura.

         La configuración global de todas estas imágenes objetuales es impecable, casi fotográfica, con perfecta factura artística. Frente al consumismo adictivo expuesto en los otros ocho cuadros, la propuesta intelectual de la joven pintora en esta pintura en particular se concentra en el poderoso valor del arte como alimento espiritual y cultural. Por ello, ella mezcla instrumentos de pintura en un contexto propio de los alimentos en una mesa. Sugiere la joven pintora consumir mejor “el alimento espiritual y estético” en pocas palabras: La pintura, la imaginación creadora. En tanto, el título del cuadro apunta hacia un mensaje para las masas populares ignorantes, quienes desconocen el autentico valor del arte pictórico. Se entrecruzan en este portentoso cuadro comida, consumo y arte para proponer una sólida solución: Consume y/o crea arte.

9. LICUADO DE CEREBRO 

    Extremo acercamiento, anuncio publicitario y crítica social se combinan en esta pintura mordaz y altamente crítica. Sobre una mesa de un típico mantel de pequeños cuadros rojos y blancos, se ve una reluciente y bella licuadora que, sorpresivamente, contiene un cerebro como si fuera un alimento. A la derecha del cuadro, se ve un vaso de cristal con un licuado de chocolate, un sorbete o popote y una apetitosa cereza. El fondo del cuadro es de un vívido verde limón, muy cercano al estilo artístico del Arte Pop. El diseño de la licuadora es muy atractivo y perfecto como anuncio publicitario: Hay aquí una brillante coraza metálica color plateado, espejeante, un encendedor bien trazado y la bella transparencia clara del vaso del aparato eléctrico. El cuadro todo destaca por su belleza de colores alegres, por la perfección del dibujo y por su acercamiento al Arte Pop y al arte fotográfico propio del anuncio publicitario. En esta obra, la artista Gabriel expone su más punzante crítica social: El cerebro del consumidor es transformado por la tecnología consumista en un alimento para consorcios o negocios. El licuado de al lado implica que el alimento para el estómago es similar al de un cerebro de la sociedad pos-capitalista: Artículo de manipulación y consumo.

II ARTE Y CRITICA DEL CAPITALISMO CONSUMISTA

         El contexto cultural de la exposición "Falsas necesidades" de Nancy Gabriel se funda en algunos comentarios muy interesantes y analíticos de Eduardo Herrera, los cuales estaban incluidos en un cartel de presentación del Museo Casa Chihuahua Siglo XIX. Básicamente, el arte y el capitalismo están íntimamente ligados en el siglo XXI y, en consecuencia, la pintura de Gabriel expresa estos diálogos, intertextos y críticas intelectuales sobre las costumbres creadas por el capitalismo consumista.

         En primer lugar, la tecnología informática y la era digital juegan un papel fundamental en la vida social y educativa del siglo XXI. Estos dos aspectos culturales envuelven a los habitantes de la “aldea global”, quienes finalmente reciben cierta “educación” de los medios de comunicación y numerosos mensajes de las redes sociales, más formadores de conciencia y cultura que los mensajes que podrían recibir en las universidades y los libros, según comenta Herrera. En resumen, este contexto cultural y social forma parte de un panorama “neoliberal-posmoderno”. Entonces, la muestra de Nancy Gabriel busca “emanciparse de la sociedad de consumo”, puesto que el consumo genera constantes necesidades y, luego de consumir el objeto o producto, las personas lo desean repetidas veces, finaliza Herrera.

         En segundo lugar, las poderosas corporaciones capitalistas representan una nueva forma de gobierno alternativo a los gobiernos políticos. Entonces, “la corporación” es “el nuevo gobierno mundial” y “las transnacionales juegan con los cerebros de sus consumidores dependientes o incautos”, los cuales “viven felices en la extraña ilusión de libertad neoliberal”, enjuicia Herrera en el mencionado cartel introductorio a la obra de Gabriel.

         En tercer lugar, la brillante exposición de Gabriel incorpora el lenguaje visual del Arte Pop con un hondo sentido crítico y una reflexión intelectual, a través de formas artísticas de gran belleza. De esta manera, sus nueve pinturas al óleo son en verdad  “una poética cercana al arte popular estadounidense”, pero ella se mantiene emancipada en su conciencia y con su fina y aguda inteligencia manifestada en las imágenes y en las ideas de los cuadros. Si el Arte Pop fue el culto al sistema capitalista, los cuadros de Gabriel critican al sistema capitalista con sarcasmo y humor y abordan los temas de la moda y el vestir, la comida y la alimentación, las religiones y el misticismo, la pornografía y la educación sexual, de acuerdo al certero examen de Eduardo Herrera.

         Finalmente, la forma artística está unida profundamente a las ideas de la pintora Gabriel. Así, “la estructura de la obra” pone de manifiesto las ideas de la autora y toca la teoría de la imagen, la retórica y la semiótica y, en consecuencia, sus pinturas son “una forma de conocimiento, siguiendo las ideas de Julio Chávez en el artículo “Arte, fenomenología y humanismo”, según Herrera.

         El estadounidense Andy Warhol (1928-1987) es artista y cineasta y el principal iniciador y exponente del Arte Pop en la década de los sesenta. En general, sus obras expresan “la banalidad de la cultura comercial de los Estados Unidos” y, entre sus pinturas más representativas, se destacan Marilyn, Mao Tse-tung y la famosa serie de las sopas Campbell (“Warhol”). En especial, las dos primeras obras son originalísimos y creativos retratos que repiten mecánicamente los bustos de la actriz norteamericana y del presidente chino, pero cambiando el color en rostros, cabellos y vestimentas (“Warhol”).

III BIOGRAFIA BREVE DE LA ARTISTA

        Nancy Gabriel es nativa de Torreón, Coahuila, estudió pintura en la Facultad de Bellas Artes de la Universidad Autónoma de Chihuahua y se graduó de la licenciatura en artes plásticas en 2014. Fundamentalmente, la muestra "Falsas necesidades" es su primera exposición individual. Antes, ella expuso su obra en cuatro exposiciones colectivas en la ciudad de Chihuahua: “Egresados 2014” en el Centro Cultural Universitario “Quinta Gameros”, “Estampas y color” en la Mediateca Municipal, una muestra en la Facultad de Derecho de la Universidad Autónoma de Chihuahua y otra en la Galería de la Facultad de Artes (“Exhibe”). En especial, estas nueve pinturas al óleo de "Falsas necesidades" están fuertemente influidas por el Arte Pop de los Estados Unidos y, en especial, por los pintores Ralph Goings y Tom Wesselmann (“Exhibe”).
         Los gentiles lectores pueden consultar otros datos y pinturas de Gabriel en el siguiente sitio: <www.pagina8.com.mx/2015/01/29/nancy-gabriel-inaugura-la-exposicion-falsas-necesidades/>.

Obras citadas

“Exhibe sus Falsas necesidades.” Heraldo de Chihuahua. 14 mayo 2015. Organización

Editorial Mexicana. 28 enero 2015.

<www.oem.com.mx/elheraldodechihuahua/notas/n3686306.htm>.

“Warhol, Andy (1930).” Doce Mil Grandes. Enciclopedia Biográfica Universal. Vol. 1. Ed

Diane Downey. México: PROMEXA, 1982.